ALEX BOHN

14.05.2013

Zeit Online

Friede den Hüten

Aus den Siebzigern ins Hier und Jetzt: Der Schlapphut zeigt wie kein anderes Accessoire die Laune seines Trägers. Eine neue Folge unserer Modeserie "Versteckte Klassiker"
Mit einem Tusch hat Marc Jacobs den Schlapphut im letzten Winter zurück auf die Bühne geholt. Die Hüte, entworfen von dem britischen Hutmacher Stephen Jones, waren kein Accessoire unter vielen, sondern überdimensionale, monströse Objekte aus plüschigem Samt, Fell und Federn. Sie beanspruchten alle Aufmerksamkeit für sich. Ihre Krempen wippten und wogten im Takt der Schritte der Models; fast schien es, als hätten sie ein Eigenleben. Ins echte Leben schafften es nur wenige, sie waren wohl eher show pieces. Ein Gedenken an die Modejournalistin Anna Piaggi, eine Exzentrikerin, die ohne Hut das Haus nicht verließ, und die Marc Jacobs sehr schätzte.

Die Schlapphüte der aktuellen Sommerkollektion, egal ob bei Saint Laurent, Rachel Zoe oder Temperly London, werden es einfacher haben. Sie sind schlicht und tragbar.

Alle erinnern an den ursprünglichen Schlapphut, den es bereits seit der Renaissance gibt und der als Kopfbedeckung der Bauern galt: eine Kopfbedeckung aus weichem Filz, mit breiter Krempe und rundem Kopf.

Ein Hut wirkt geheimnisvoll

Bei Hedi Slimane, dem nach Kalifornien ausgewanderten Designer des französischen Modehauses Saint Laurent, erinnern sie an den glamourösen Hippie-Chic der siebziger Jahre. Es gibt Fotos von Uschi Obermaier, auf denen sie einen sehr ähnlichen Schlapphut trägt: aus schwarzem Filz, weit in die Stirn gezogen. Slimanes Version ist jedoch nicht blumig und farbenfroh, sondern düster, ein bisschen streng und männlich, als würden die Trägerinnen den ganzen Tag psychedelischen Rock hören. Unter der breiten Hutkrempe sind ihre Augen kaum zu sehen. Sind sie gelangweilt? Abwesend? In jedem Fall geheimnisvoll.

Die Schlapphüte von Rachel Zoe sind da harmloser. Sie passen gut in den Fundus der ehemaligen Stylistin, die das geschickte Arrangement von schon Dagewesenem zu ihrem Markenzeichen gemacht hat. Ihre fast klassischen Stroh-Schlapphüte sind formschöne Schattenspender für den nächsten Strandbesuch.

Ursprünglich war der Schlapphut ein Accessoire, mit dem man ganz bewusst Auskunft über die eigene Befindlichkeit geben konnte. Er wurde auch Respondent genannt – abgleitet vom lateinischen respondere, denn er gab Auskunft über die Laune seines Trägers. Ursprünglich war er mit einer langen Fasanenfeder verziert – je nach Stimmung steckte man diese aufrecht oder quer unter das Hutband. Auch mit der Stellung der Krempe zeigte man seine Befindlichkeit. Weit ins Gesicht gezogen bedeutete, dass man seine Ruhe wollte, nach oben geschlagen signalisierte Offenheit.

Heute ziehen die Schlapphüte alle Register: Bei Saint Laurent sind die Gesichter verschattet – die Laune also eher schlecht. Bei Rachel Zoe weisen die Krempen gen Himmel – die Sonne lacht. Und bei Temperly London hängen sie ein wenig unentschieden auf halber Höhe.

In Zeiten, in denen die Sonne nicht nur Freude, sondern auch ein Krebsrisiko bedeutet, ist der Schlapphut ein eleganter und einfacher Schutz. Und er erweitert die Palette modischer Ausdrucksformen. Wer einen Schlapphut hat, braucht keine Emoticons. Ein leichtes Zupfen an der Hutkrempe genügt.

Quelle: ZEIT ONLINE
Adresse: http://www.zeit.de/lebensart/mode/2013-05/versteckte-klassiker-schlapphut/komplettansicht

12.05.2013

Süddeutsche Zeitung

"Verschwendet das Leben nicht am Computer!"

Eine Knochensäge singt. Kundig zerteilen zwei Köche große Tierhälften. Im Berliner Restaurant The Grand ist der kleine Speisesaal nur durch eine Glasscheibe von der Küche getrennt. Yohji Yamamoto rührt das Treiben nicht – ganz in schwarz gekleidet sitzt er selbstversunken an einem Tisch, die langen, grau melierten Haare verdecken sein Gesicht. Er trinkt einen Kaffee. Schwarz natürlich.

Herr Yamamoto, lassen Sie uns über Geschwindigkeit reden. Sie haben die Beschleunigung von Kultur und Mode immer kritisiert. Wegwerfmode – oder fast fashion – finden Sie „scheiße“.

Die Leute sind faul geworden, weil es Computer gibt. Sie verlieren ihre Träume. Wer sich an seinen Computer setzt, denkt, dass er mit ihm alles hat, in ihm alles findet, was er sucht. Das versaut die Leute. Ihr Verlangen, ihre Sehnsucht, verschwindet.


Ihr eigenes Leben ist ruhelos. Sie zeigen allein vier Kollektionen im Jahr – zwei in Paris unter eigenem Namen, zwei in New York unter dem Namen Y-3, einer Marke, die von Adidas produziert wird. Dann gibt es noch ihre eigene Sportswear-Linie s´Yte. Dabei sagen Sie immer, man solle innehalten. Wie kommen Sie zur Ruhe?

Ich habe vieles ausprobiert. Ich habe angefangen, Musik zu produzieren, habe angefangen zu malen. Leider kann ich es nicht bei einem Hobby belassen – ich mache aus allem eine Berufung, einen Auftrag. Und dann stresse ich mich damit. Das ist wohl Teil meines Wesens, das ich nichts leichtfertig tun kann, sondern mich in alles vertiefe.

Unter anderem in Karate? Mit Anfang vierzig fingen Sie an, zu trainieren.

Durch die ganze Raucherei war ich damals spindeldürr und hatte auf den Flügen von Japan nach Europa das Gefühl, mich wundzusitzen. Hätte ich so weitergemacht, hätte ich nicht mehr nach Europa kommen können. Also fing ich mit Karate an. Ich hatte keine Lust, aber wenn ich zum Unterricht nicht erschien, kreuzte mein Lehrer bei mir zuhause auf. Er scheuchte mich sogar morgens aus dem Bett.

Mit 45 machten Sie dann ihren schwarzen Gürtel.

Es ging nicht anders.

Sie sind gegen Beschleunigung, aber mit Ihren vier Kollektionen pro Jahr erhalten Sie den fortwährenden Wechsel der Mode aufrecht. Hat Ihnen das jemals Magenschmerzen gemacht?

So ist eben das Schicksal der Mode. Ich bin kein Künstler, sondern ein Schneider und Handwerker.

Als Wim Wenders 1989 eine Dokumentation über Sie drehte, kaufte er sich in Vorbereitung auf den Film eine Jacke von Ihrem Label Yohji Yamamoto. Er sagte, er hätte in dieser Jacke nicht das Gefühl ein Kleidungsstück zu tragen, sondern er selbst zu sein.

Meine Mode ist so, als würden Sie jemand kennenlernen und sich mit ihm anfreunden. So eine charmante Begegnung kann fast fashion nicht bieten. Ein guter Freund kann fast fashion nicht sein.


Wim Wenders fand Ihre Arbeit aber durchaus paradox. Er sagte, Ihre Mode sei zugleich beständig und flüchtig. Weil sie jede Saison durch Ihre neusten Ideen ersetzt wird?

Meine Mode ist kein Konsumgut. Man kauft sie, um mit ihr zu leben.


Und was machen Sie mit Kunden, die Ihre Mode nicht verstehen?

Schon möglich, dass es Leute gibt, die einen meiner Läden betreten und nicht verstehen, worum es mir geht. Aber wenn sie ein Outfit von mir kaufen, verändert das ihr Leben. Meine Mode passt nicht zum Leben des durchschnittlichen Konsumenten. Sich ein Outfit auszusuchen bedeutet, sich für einen anderen Lebensstil zu entscheiden.

Wollen Sie damit sagen, dass Ihre Mode transformative Kraft hat?

Ja.


Sind Sie als Gestalter, als Schöpfer, in guter Gesellschaft? Wie ist es um die Ausdruckskraft der angewandten Künste bestellt?

Der Modernismus verseucht alles. Er nimmt den Dingen ihre Seele. Es wird immer von „gutem Design“ gesprochen. Was soll das sein? Ich hasse diesen Begriff. Ich glaube jede Schöpfung entsteht instinktiv, nicht mithilfe des Verstands. Schöpfung entsteht aus Instinkt und Handwerk. Vielleicht bin ich in dieser modernen Welt schon ein Fossil, aber ich glaube überzeugt an die Kunstfertigkeit der menschlichen Hände und an unsere Kultur. Ich habe Zweifel, dass junge Designer, die am Computer entwerfen, ihren Entwürfen Seele einhauchen können. Der Computer ist nur eine Maschine.

Ihren Studenten sagen Sie, sie sollen ihre Augen schließen und sich auf ihre Seele besinnen. Und dann?

Ich sage zu den jungen Leuten: Lebt Euer Leben! Verschwendet Eure Zeit nicht vor dem Computer. Trefft Freunde, liebt. Ihr werdet gehört werden, weil ihr liebt. Man muss sein Leben als echtes Leben leben. Man muss erfahren, dass das Leben sehr hart ist, sehr einsam und sehr aufregend, manchmal. Ohne diese Erfahrung kann man nicht schöpferisch tätig sein, ohne diese Erfahrungen verliert man seine Gefühle.

Wollten sie deswegen als junger Mann „Zeit“ entwerfen?

Ich arbeitete damals an einer neuen Kollektion und immer wenn ich Mode in Secondhand-Läden sah, kam sie mir sehr stark und verführerisch vor. Man sah ihr an, dass sie schon einiges erlebt hatte – sie war vom Regen verzogen und von der Sonne ausgeblichen. Diese Mode hatte einen eigenen Charakter entwickelt und ich wünschte mir, aus so gealtertem Material eine neue Kollektion zu machen. Aber mit der Vorbereitung für so ein Projekt hätte ich dann fünfzehn oder zwanzig Jahre früher beginnen müssen.

Schon lustig, dass die Leute heute genau das wollen: Mode, die bereits gealtert ist. Und statt sie selbst einzutragen kaufen sie künstlich ausgeblichene Jeans, absichtlich zerfranste Säume...

Sie kaufen sich Zeit.

Sie entwerfen grundsätzlich asymmetrische Mode. Auch eine Art „Zeit“ zu entwerfen. Zumindest als Betrachter ihrer Mode muss man ihre Entwürfe ein wenig länger ansehen, um zu verstehen wie sie gemacht sind. Ist das eine kleine Lektion in Sachen Entschleunigung?

Einfach gesagt: Symmetrie langweilt mich. Nur Gott kann Perfektion schaffen. Alles was der Mensch schafft ist nicht mangelhaft, aber lückenhaft. Und das liebe ich. Schauen Sie sich das an – teilt sein Gesicht mit der Hand in zwei Hälften – wir Menschen sind auch nicht symmetrisch.

In ihrem eigenen Leben gibt es eine Konstante: Frauen. Sie sind allein mit Ihrer Mutter aufgewachsen, haben in Tokyo das Bunka College of Fashion besucht, an der sie zwei Jungen und über hundert Mädchen waren. Ihre Mutter ist jetzt 97 und hat bis vor kurzem alle Mahlzeiten für Sie und Ihre Assistenten gekocht. Bringen Frauen Ruhe in ihr Leben?

Ha! Ich bin da sehr ambivalent. Es ist eine Hass-Liebe. Als Sohn einer Kriegerwitwe lebte ich sehr brav und angepasst. Ich war der Mann im Haus, obwohl ich bis heute ein Junge bin. Später dachte ich, ich müsste die Frauen mit meiner Mode beschützen. Dann wollte ich ihnen ermöglichen, auch Männerkleidung zu tragen und sich frei zu bewegen. Irgendwann habe ich erkannt, dass Frauen stärker sind als Männer.

Was meinen Sie damit?

Männer regeln alles mit dem Verstand oder mit dem Geist. Aber die Frauen leben ihr Leben instinktiv und richtig. Sie brauchen meinen Schutz und meine Fürsorge nicht. Ich kann ihnen meine Hilfe höchstens anbieten.


Haben Sie mal darüber nachgedacht aufzuhören? Ihnen stinkt der maßlose Konsum unserer Zeit, die Frauen brauchen sie nicht mehr... Wäre keine Mode von Yohji Yamamoto da ein Zeichen?

Wenn bei der letzten Anprobe vor der Modenschau das Model aus der Umkleide kommt und meinen Entwurf vorführt, reagiert mein Körper auf das was er sieht. Nicht mein Geist, nicht meine Sinne. Solange mir mein Körper das Signal gibt, mache ich weiter, solange halte ich das für gesund für mich. Vielleicht bin ich nichts mehr, wenn ich aufhöre, Kleidung zu entwerfen.

Zur Person
Yohji Yamamoto wurde am 3. Oktober 1943 in Yokohama/Japan geboren. Seinen Vater lernte er nie kennen, er wuchs bei seiner Mutter auf, von der er das Schneiderhandwerk lernte. Ihr zuliebe studierte er Jura, absolvierte aber im Anschluss ein Modestudium. Mit seiner damaligen Freundin Rei Kawakubo zeigte er 1981 in Paris seine erste Modekollektion, die einen Skandal provozierte. Besonders die sackartigen Entwürfe seiner Frauenkollektion wurden als „Hiroshima-Chic“ beschimpft, später aber von der Avantgarde als „Anti-Mode“ gefeiert. Seither entwarf Yohji Yamamoto neben seiner eigenen Kollektion auch Kostüme für eine Oper von Heiner Müller, ein Tanzstück von Pina Bausch und den Film „Dolls“ von Takeshi Kitano. Mit Wegwerfmode fängt Yohji Yamamoto auch nach seiner Insolvenz im Jahr 2009 nichts an, er wurde von einer japanischen Investmentfirma aufgekauft, die ihm kreative Freiheit lässt.

13.04.2013

Süddeutsche Zeitung

Schicker rollen

Der Luxuszug Eastern & Oriental Express fordert Stil von seinen Reisenden. Aber die tun sich schwer.
30 Kilo Reisegepäck sind eine Herausforderung. Immerhin packt man für eine neuntägige Reise mit dem Luxuszug durch Südostasien; für eine Dschungel-Expedition, mehrere Cocktail-Empfänge, Dinner-Veranstaltungen, Tempel-Exkursionen, einen Elefanten-Ausritt und eine Feuerwerks-Gala.

Außerdem gibt es genaue Vorstellungen darüber, wie man sich kleiden soll. Es steht in den Buchungsunterlagen für die Reise mit dem Luxuszug Eastern & Oriental Express, der asiatischen Schwester des legendären Orient-Express, der zwischen London und Istanbul verkehrt: „An Bord herrscht eine Atmosphäre entspannter Kultiviertheit“. Tagsüber gilt die Kleiderordnung „smart casual“, Jeans und Turnschuhe sind nicht erwünscht. Weiter heißt es: „Die Dinner-Veranstaltungen geben den Gästen Gelegenheit, sich dem Anlass entsprechend glamourös und stilvoll zu kleiden.“ Ein Blick auf die Bilder der flaschengrünen Broschüre verrät, dass es nicht damit getan ist, Krawatte und Jackett zu tragen, oder jeden Abend in das gleiche kleine Schwarze zu schlüpfen.

Kaum aus Bangkok heraus, ist schon der Weg zum Cocktail-Empfang eine Bewährungsprobe. Denn während vor den Panoramafenstern das Grün der Reisfelder im weichen Licht der Dämmerung leuchtet und ein paar Mädchen in violetten Schuluniformen selbstversunken an den Gleisen spielen, schlingert und ruckt es im Zug mehr als gedacht. Die Stewards laufen ungerührt durch die Gänge, die Reisenden ringen um Haltung.

In der Pianobar gibt es Champagner, aus speziell für den E&O gefertigten Kristallflöten, ihr Fuß ist verstärkt damit sie nicht so leicht umfallen. Vielleicht würden den Damen Bleigewichte in den Absätzen helfen – so tänzeln sie ein wenig unsicher und sinken nach dem Anstoßen sichtbar erleichtert auf die blass-rosanen Polsterbänke. Die Reisenden werden der Kleiderordnung gerecht: Manche mehr, manche weniger. Besonders gute Noten erhält ein Paar aus Dubai, das seinen Hochzeitstag feiert. Sie trägt ein siennafarbenes Etuikleid aus Rohseide zum smarten schwarzen Pagenkopf und er steckt in einem gut geschnittenen Anzug. Eine niederländische Diplomatengattin mit strahlenden Augen und wippenden grau melierten Locken kombiniert glaubhaft ein westliches Abendkleid mit einem roten Pakama, einer ungenähten Stoffbahn aus gebatikter thailändischer Seide, die sie als Schal um Schultern und Oberkörper gelegt hat. An der Bar fallen drei britische Gentlemen auf, alle im Smoking mit tadellos sitzendem Smoking-Hemd und blank gewienerten Lederschuhen. Sie knabbern exotische Nüsschen aus einer silbernen Etagere und trinken Gin Tonic. Und ein Geschwisterpaar sticht ebenfalls heraus, beide 50+, er in einem flatternden beigen Hemd und dunkelblauer Chinohose, sie in einem dünnen Trägerkleid aus Baumwolle mit einem Baumwolltuch über den Schultern und ohne BH.

Im Verlauf der Reise, auf dem Weg von Chiang Mai nach Lampang, schärft sich das Bild: Die ganze große Eleganz beherrscht hier kaum jemand. Und das hat nichts damit zu tun, dass die meisten Reisenden im Rentenalter sind und einige sogar hoch betagt. Auf den Exkursionen tragen alle entweder gehobene Funktionskleidung oder Varianten amerikanischer Freizeitkleidung. Sprich beige Hosen, deren Beine man mit Reißverschlüssen auf halbe und Dreiviertel-Länge kürzen kann, oder beige Baumwollshorts zu grünen oder himmelblauen Polo-T-Shirts. Die Nationalitäten nehmen sich dabei nichts – Briten, Amerikaner, Australier, Schweizer, Deutsche, alle gleich: Nicht stilvoll, aber praktisch.

Bei den Abendveranstaltungen mit anspruchsvollerem Dresscode haben alle ihr Pulver schnell verschossen. Die Männer erscheinen stets im gleichen Anzug, immerhin ein Australier mit freundlichem Mondgesicht führt täglich ein Hemd mit anderem Blumenmuster vor. Die Damen zeigen eher pragmatischen Glamour. Eine frisch geschiedene Französin beweist, wie sie ihr hübsches weißes Spitzentop an gleich drei Abenden zu unterschiedlichen Röcken kombinieren kann. Und die stets fantastisch gekleidete Diplomatengattin kommt auch mit nur einem Paar Schuhe gut aus. Nach der Eleganz einer Marlene Dietrich, wie man sie aus einem anderen Luxuszug kennt – dem „Shanghai Express“ aus dem gleichnamigen Filmklassiker – strecken sie sich nicht. In bodenlangen Abendroben aus schwarzem Samt mit Straußenfedern räkelt sich im E&O keine und auch eine Pelzstola ist nicht zu sehen. Dafür gibt es ein Paar Quotenhippies, den Australier mit seinem beigen Hemd und der dunkelblauen Chinohose und seine leicht bekleidete Schwester nämlich. Denn zumindest er wechselt seine Kleidung einfach gar nicht.

Die Hippies sind aber auch eine gute Erinnerung daran, dass man sich nicht mehr in der Kolonialzeit befindet. Denn trotz der kundig geführten Exkursionen auf denen man einen realistischen Eindruck des heutigen Nordthailands gewinnen kann, ist die Verführungskraft des E&O groß. Zumindest an Bord befindet man sich in einem perfekt inszenierten Paralleluniversum, in dem die „Eleganz einer längst vergangenen Zeit“ auflebt und in der Luxus eine ganz normale Annehmlichkeit ist.

Dabei kann auch der E&O das Problem der Beschränkung nicht lösen, das in einem – fahrenden – Zug den Annehmlichkeiten eines normalen Luxushotels entgegensteht. Weitläufige Suiten mit begehbarem Kleiderschrank, die auf hohem 5 Sterne Niveau sonst zum Standard gehören, kann es in einem Zug nicht geben. Und eine endlose Dusche unter dem Rainshower-Duschkopf ist schlicht nicht machbar. Dafür gibt es hier maximalen Luxus auf minimalem Raum. Die Kabinen mit sind mit durchschnittlich 7,8 m2 gerademal so groß wie ein begehbarer Kleiderschrank, aber sie sind mit goldfarbenem Duftholz verkleidet und mit Intarsienarbeiten verziert, wie man sie sonst nur noch in einem Grand Hotel aus der Kolonialzeit findet. In dem winzigen Bad gibt es passend zum Mosaik der Marmorkacheln auch ein Marmorwaschbecken – und natürlich eine Dusche.

Und der E&O macht den Mangel an Platz und Ressourcen mit seinem makellosen Service wett. In jedem Waggon kümmert sich ein Steward 24 Stunden am Tag um die Reisenden. Er serviert das Frühstück und den Fünf-Uhr-Tee im Abteil und kümmert sich abends um den turn down service, wenn die Gäste zu Tisch sind. Er sorgt dafür, dass täglich frische Orchideen in den Silbervasen stehen und der Nachschub an Bulgari-Beauty-Produkten nicht abreißt. Klingelt man ihn nachts heraus, mit einem Druck auf den messingfarbenen „Attendant“-Knopf, weil man nicht schlafen kann, so bringt er Oropax, eine seidene Schlafmaske und kocht sogar einen Kamillentee.

Selbst in Sachen Stil leistet das Team seinen Gästen Hilfestellung. Eine Situation wiederholt sich nämlich auf jeder Reise: Die Gäste gehen an Bord, betreten ihr Abteil und wollen ihre 30 Kilo klug zusammengestelltes Reisegepäck auspacken. Dann stellen sie fest, dass auf die Kleiderstange in dem einzigen Kleiderschrank des Abteils genau drei Kleiderbügel passen. Und dass es außer zwei Gepäckablagen – aus sehr hübschem, lochgestanzten Messing, keinen weiteren Stauraum gibt.

Zum Glück hilft einem dann ein Steward wie Prachak Thaweephol auf die Sprünge: „Organisieren Sie ihre Garderobe“ sagt er. „Packen Sie nur die Kleidung für die ersten drei Tage und Nächte aus. Den Rest verstauen Sie in Ihrem Koffer und geben ihn mir. Am vierten Tag bringe ich Ihnen dann die Kleider für den zweiten Teil der Reise.“ Sprichts, verbeugt sich in seinem Anzug aus gebatikter thailändischer Seide und einem blitzweißen gestärkten Hemd, und zieht sich diskret zurück.

Prachak Thaweephol selber wohnt in einem Abteil, das etwa zwei Quadratmeter groß ist, am Ende des Waggons. Man fragt sich, ob er im Stehen schläft. Die Küche in der er Frühstück und Nachmittagstee anrichtet, ist noch kleiner. Hier bereitet er den Doi Chaang Kaffee aus Nordthailand zu, verteilt das frische Obst und die Teigwaren, reinigt und verwahrt das antike Silbergeschirr mit den Verzierungen aus Gingko-Blättern. Selbst für Bügeleisen und Bügelbrett findet er noch Platz. Es ist unverständlich wie, aber es passt. Dass man auf 7,8 m2 nicht genug Platz haben kann, ist für Prachak Thaweephol wahrscheinlich ein Rätsel.

Die Umsetzung der Kleiderordnung sieht das Team des E&O übrigens gelassen. Zwar wechselt Ulf Buchert, der gebürtiger Pfälzer und Senior-Zugmanager seit 26 Jahren sein Outfit ganz selbstverständlich mindestens zweimal am Tag. Aber die laissez faire der Reisenden sieht er nüchtern: „Wir stellen fest, dass der Smoking und ein elegantes Abendkleid nicht mehr so gängig sind.“ Er selbst trägt abends Smoking oder Anzug, zu letzterem kombiniert er täglich eine andere Krawatte. „Wir kommen jetzt an einen Wendepunkt“, sagt er, „zwar ist die Etikette bei den Gästen durchaus gefragt. Aber wir überlegen, sie ein bisschen zu lockern.“

Dass in naher Zukunft Schmerbäuche in Hawaiihemden und Sandalen an Bord des altehrwürdigen Zugs gehen, steht nicht zu befürchten. Vorerst verabschiedet sich der E&O maximal von der Pflicht zum Smoking, dem Dresscode „black tie“. Trotzdem sollten Reisende sich beim Packen um die „Eleganz einer längst vergangenen Zeit“ bemühen, wie es bei E&O so schön heißt. Am Ende stehen sonst irgendwann Plastikblumen im Abteil.

10.04.2013

Zeit Online

Billig ist interessanter als Bio

Das Kampagnenbild zur neuesten H&M-Kollektion sieht aus, als habe ein leichtes Erdbeben das Fotostudio erschüttert. Auf dem Boden liegt eine Schneiderpuppe, eine andere lehnt schief an der Wand, ein Stuhl ist umgefallen. Nur das blonde Model mit den sorgsam zerzausten Haaren steht stabil und stemmt die Hände in die Hüften. Die junge Frau trägt ihr blassgrünes Korsagenkleid wie eine Rüstung. Unbeirrt und aufrecht blickt sie dem Ansturm der Käufer entgegen, die schon seit Wochen auf den Verkaufsstart der "Conscious-Exclusive"-Linie gewartet haben.

Denn Bilder der überwiegend pastellfarbenen Kleider im Stil früher Hollywood-Diven sind schon vor Wochen von vielen Modebloggern aufgegriffen und euphorisch besprochen worden. Der Tenor im Netz: Hauptsache, ich bekomme auch eins ab! Entsprechend sind 21 der 24 verschiedenen Abendkleider und Anzüge der Damenkollektion im Online-Shop der Schweden bereits ausverkauft.

Nur, dass diese Kollektion, wie auch ein paar Dutzend alltagstauglichere Stücke in der normalen "Conscious Collection", aus "umweltfreundlicheren Materialien" – so die Formulierung von H&M – hergestellt ist, interessiert weder die neuen noch die klassischen Modemedien. Selbst etablierte Magazine wie Vogue, Glamour oder Jolie machten in den Onlinepublikationen zum Thema aus "nachhaltiger" schlicht "nachhaltig" und erfreuten sich ansonsten daran, die Namen der Hollywoodgrößen nennen zu können, die in diesen Kleidern bereits über einen roten Teppich geschritten sind.

Mode aus Fischernetzen und alten Teppichen

Interessierten Journalisten dagegen erklärt H&M gern ausführlich, was der Konzern unter den schwammigen Begriffen "nachhaltiger" und "umweltfreundlicher" versteht. In der Conscious Exclusive Kollektion wird Biobaumwolle, Recycling-Polyester, Recycling-Polyamid und die aus Holz-Zellstoff gewonnene Faser Tencel verwendet. Nicht ausschließlich, aber anteilig. So gibt es beispielsweise ein Kleid aus 49 Prozent aufgearbeitetem Polyamid und 30 Prozent Biobaumwolle und 21 Prozent konventionellem Polyamid. Dass der blassrosa Spitzentraum also immerhin knapp zur Hälfte aus Fischernetzen oder alten Teppichen und Abfällen aus der Textilproduktion besteht, die zu neuen Fasern geschmolzen werden, wäre ja durchaus der Erwähnung wert gewesen.

Bleibt die Frage, ob diese Kollektion nun den Einzug einer neuen Unternehmensphilosophie verheißt bei einem der größten Fast-Fashion-Produzenten der Welt. Oder ob hinter dem guten Gewissen schlicht das Wissen um eine gute Werbekampagne steckt. Eine dezidiert grüne Kleinserie so groß zu bewerben, das ist in Zeiten, in denen Konsumenten und Institutionen zunehmend wachsamer werden, wenn es um die negativen Auswirkungen der stark globalisierten Textilproduktion geht, nicht die abwegigste PR-Strategie. Können die Anstrengungen um eine "umweltfreundlichere", "nachhaltigere" Mode von H&M mehr sein als Augenwischerei?

Die Initiative Clean Clothes Campaign (CCC), die sich weltweit um verbesserte Arbeitsbedingungen in der Textilindustrie bemüht, sieht die H&M-Aktion kritisch. Während Vanessa Paradis in der H&M-Kampagne in einem zarten, gelben Kleidchen inmitten eines Blumengartens sitzt, ist die Schauspielerin in der drastischen Gegenkampagne der CCC von blassen Näherinnen in der Unschärfe umringt. "Unconscious Collapses" titelt die Organisation dazu und weist damit auf die unzureichenden Löhne der Arbeiterinnen in Textilfabriken hin, die unter anderem auch für H&M arbeiten. "H&M fordert von seinen Lieferanten zwar die Einhaltung des Mindestlohnes. Aber die ist in den Bekleidungsproduktionsländern weit davon entfernt, existenzsichernd zu sein", sagt die deutsche CCC-Aktivistin Bettina Musiolek. Um dem Konsumenten wirklich glaubhaft Mode mit einem reinen Gewissen anbieten zu können, müsste H&M sich zur Zahlung des Existenzlohns verpflichten, so Musiolek.

Doch die CCC erkennt auch an, dass H&M Schritte in die richtige Richtung unternimmt. So zum Beispiel mit der Veröffentlichung seiner Lieferantenliste im März dieses Jahres, als Teil des Nachhaltigkeitsberichts 2012. Zwar ist H&M nicht, wie behauptet, das erste internationale Textilunternehmen, das diesen Schritt geht – bereits 2005 legten, auf Druck der Öffentlichkeit, das amerikanische Textilunternehmen GAP, der Sportartikelhersteller Nike und auch die Jeansmarke Levi´s ihre Lieferantenlisten offen. Aber besser spät als nie.

Marc Starmanns vom Online-Informationsdienst Get Changed! begrüßt, dass H&M mit den verwendeten nachhaltigeren Materialien eines der vielen Probleme in der globalen Modelieferkette angeht und sich verpflichtet, bis zum Jahr 2020 ganz auf "nachhaltigere" Materialien umzusteigen. "Allerdings", so Starmanns, "lädt der Begriff zur Missinterpretation ein. Viele der Firmen in unserem Netzwerk verwenden zu 100 Prozent zertifizierte Bio- und/oder Fair-Trade-Baumwolle. H&M setzt bis 2020 nicht primär auf Bio-Baumwolle mit einem ganzheitlichen ökologischen Ansatz, sondern überwiegend auf sogenannte 'Better-Cotton'-Baumwolle. Bei deren Anbau wird wohl weniger Wasser verbraucht, aber beispielsweise nicht komplett auf Pestizide verzichtet. Das ist nur ein erster Schritt."

Allana McAspurn schätzt die Conscious Kollektionen deutlich positiver ein. McAsprun ist Geschäftsführerin der NGO Made-By, die etablierte Modeunternehmen bei der Verbesserung von Abläufen und Arbeitsbedingungen im Sinne einer nachhaltigeren Produktion berät. "Die Kollektion basiert auf umweltfreundlichen Überlegungen. Beispielsweise wählt H&M seine Fasern anhand des Made-By-Standards für Nachhaltigkeit aus", sagt McAsprun. "Mir persönlich gefällt die Kollektion, weil sie zugleich modisch ist und das Bewusstsein der Konsumenten schärft. Den Kunden erreicht man viel besser über das Produkt als beispielsweise über einen Nachhaltigkeitsbericht. Die Kollektion ist die Basis auf der H&M die Ziele kommunizieren kann, die sich das Unternehmen im Bereich Nachhaltigkeit gesetzt hat."

Klingt einleuchtend. Aber bedeutet das nicht, dass H&M auch in Zukunft einer der größten Produzenten von Mode, die ebenso schnell gekauft wie weggeworfen wird, bleiben will? Wenn ja, wird diese Mode auch in Zukunft billig sein müssen. Und weiterhin unter Bedingungen entstehen müssen, die Natur und Menschen potenziell schadet.

Die Antwort von Allana McAspurn darauf ist kurz: "Fast Fashion bleibt." Diese Einschätzung teilt sie mit anderen ausgewiesenen Vorreitern nachhaltiger Mode. In New York veranstaltete H&M zum Start der Conscious Kollektionen eine Podiumsdiskussion, moderiert von Simon Collins, dem Leiter der Fakultät Mode an der renommierten Parson´s New School of Design. Hier sprachen der Designer Bruno Pieters, der mit seinem Label Honest by für transparente Produktionswege in der Luxusmode wirbt, Scott Mackinlay Hahn, Designer der nachhaltig produzierten Modemarke Loomstate, die Chefredakteurin des Magazins Ecouterre, Jasmin Malik Chua, und Julie Gilhart, die seit ihrem Ausstieg als Vizepräsidentin des Nobelkaufhauses Barneys als Beraterin mit grüner Agenda arbeitet, mit den beiden Nachhaltigkeitsbeauftragten von H&M. Die sechs waren sich erstaunlich einig in der Einschätzung, dass schnelle Mode vorerst nicht verschwinden wird. Denn, so die einhellige Expertenmeinung, genau das will der Konsument: Allzeit verfügbare, billige Mode. Wer jetzt missbilligend die Nase rümpft, sollte an die desinteressierten Modeblogger denken und an diese Worte von Bruno Pieters: "Die Konsumenten, das sind nicht die anderen. Das sind wir."

Quelle: ZEIT ONLINE
Adresse: http://www.zeit.de/lebensart/mode/2013-04/HM-conscious-collection-faire-Mode/komplettansicht

01.03.2013

Zeit Online

Das Burgfrollein ist zurück

Statt der x-ten Auflage der Fünfziger gibt es endlich etwas Neues in der Mode: die langen, wallenden Kleider des Mittelalters. Aus der Serie "Versteckte Klassiker"
Dass Designer die Mode der jüngst vergangenen Dekaden plündern, um sich für ihre aktuellen Kollektionen zu inspirieren, ist bekannt. Dass sie eine Zeitreise unternehmen, die sie mehrere Hundert Jahre zurückführt, ist hingegen neu. Vielleicht haben sie sich am Ende selbst gelangweilt mit den allgegenwärtigen Repliken der Mode der biederen Fünfziger.

Statt um die Sekretärin à la Mad Men kümmert sich eine Handvoll internationaler Designer nun um das Burgfrollein im weitesten Sinne. Angefangen hat das bereits im vergangenen Spätsommer auf der New York Fashion Week, als die Schwestern Laura und Kate Mulleavy für ihr Label Rodarte eine moderne "Princess of Power" defilieren ließen. Sie trug ein bodenlanges Kleid aus petrolfarbener Seide, das hoch geschlossen und eng tailliert war und mit einer goldenen Kreuzung aus Mieder und Korsage Brust, Taille und Hüften sauber akzentuierte. Nicht zu vergessen die Schleppe, die sich bei jedem Schritt anmutig bauschte und nur deswegen nicht auf dem Boden schleifte, weil die moderne Prinzessin hohe Blockabsätze trug. In der Zeit zwischen ausgehendem Mittelalter und Beginn der Renaissance trugen europäische Adelige ähnliche Kleider. Abgesehen natürlich von den kurzen Ärmeln und dem extrem hohen Beinschlitz.

Die aktuellen Schauen in Mailand und London zeigten nun, dass sich auch andere Designer für die Kleiderordnung jenseits der vergangenen hundert Jahre interessieren. Giles Deacon eröffnete seine Schau in London mit einem bodenlangen, weißen Kleid aus Seiden-Organza, das ebenfalls aus der Renaissance stammen könnte: weite, einfach gepuffte Ärmel, an natürlicher Stelle tailliert, nach unten hin einfach abgeteilt und ausgestellt. Vorgeführt wurde es allerdings von Kristen McMenamy, einer Model-Ikone des Grunge, die mit weiß gefärbtem Haar, blass geschminkter Haut und dunkel unterlaufenen Augen das Kleid von allem historischen Ballast befreite. Giles Deacon ließ Variationen dieses Kleids folgen. Er zeigte es mal mit metallischen Ornamenten verziert, mal mit schwarzem Lurex so durchwirkt, als habe man einen Eimer Pech über der Dame ausgeschüttet. Sein Burgfrollein geisterte irgendwo zwischen Pechmarie, Goldmarie und Morticia Adams.

Die Londoner Designer sind für ihre Exzentrik bekannt. Aber auch in Mailand, eher der Hort eleganter und tragbarer Designs, befasst man sich mit der Mode von knapp nach Ende der Kreuzzüge – als Samt, Seide, Damast und Brokat aus dem Orient nach Europa kamen. Domenico Dolce und Stefano Gabbana hatten schon immer ein Faible für verkitschten Katholizismus. In ihrer Herbstkollektion für Dolce & Gabbana treiben sie ihn auf die Spitze: Die Models tragen Kleider, die so vor Gold und Steinen strotzen, dass sie fast einer Ritterrüstung ähneln. Sie sehen aus, als hätten sie nicht nur sämtlichen Brokat und alle Seide der Kreuzritter an sich gerafft, sondern das Gold und die Edelsteine der Kirchen gleich dazu. Die beiden Italiener mögen es plakativ, zeigen als Motive Heiligenbilder und setzen ihren Models goldene Kronen auf. Wären ihre Kleider nicht schmal und kurz geschnitten – es wäre des Guten zuviel.

Gianfranco Ferrés Burgfrollein ähneln wehrhaften Knappen mehr als aristokratischen Madames. Ihre Kleider sind bodenlang, aber frei von Ornament. Der breite Gürtel erinnert an die traditionell gegürteten Männerröcke des Mittelalters. Unter den tief dekolletierten Kleidern tragen die Models einen angedeuteten Brustpanzer aus Holz oder metallischem Gewebe. Es sieht so aus, als hätte der italienische Altmeister eine recht emanzipierte Maid vor Augen gehabt.

Ob aus New York, London oder Mailand – die Anleihen an Mittelalter und Renaissance sind erfrischend und amüsant und ab und an auch elegant. Trotzdem liegt die Frage nach der Tragbarkeit dieser Entwürfe auf der Hand. Mit einer Schleppe oder einem bodenlangen Kleid erscheint man heute bestenfalls noch zu einer Galanacht wie den Oscars. Normalsterbliche tragen selbst zur Opernpremiere schnöde Jeans.

Immerhin muss man nicht nach dem Frauenbild der Designer fragen. Langer Saum hin und typisch weiblich akzentuierte Silhouette her: Dass es hier um eine Rückbesinnung auf eine stereotyp weibliche Rolle der Frau geht, kann man getrost ausschließen. Alle Kleider sind entweder so weit, so kurz oder so hoch geschlitzt, dass das Burgfrollein von heute maximale Beinfreiheit und Beweglichkeit genießt.

Quelle: ZEIT ONLINE
Adresse: http://www.zeit.de/lebensart/mode/2013-03/versteckte-klassiker-mittelalter-kleider/komplettansicht

22.02.2013

Zeit Online

Halber Rock, volle Wirkung

Einst verdarb Margaret Thatcher dem Midi seinen eleganten Ruf. Bei den aktuellen Herbstschauen rehabilitieren die Designer den knielangen Rock mit Spitze und Schlitz.
Der Midi hat in der Mode einen sensationell schlechten Ruf, nämlich: Er sieht schnell unvorteilhaft aus. Trotzdem prägt die Rocksaumlänge, die bis zum Knie oder knapp über das Knie reicht, fast jede Kollektion der laufenden Modewochen. In London eröffnete J.W. Anderson seine Schau mit einem Midi-Kleid aus schwarzem, schwerem Wollstoff. Und schickte Variationen in reinweiß, grau und schwarzem Nappaleder hinterher. Erdem Moralioglu zeigte ebenfalls Midi in schwerem schwarzen Tweed oder dunklem Bordeauxrot, mit Federn, Pailletten oder Seidengaze. Jonathan Saunders, der bereits für den Sommer eine von den späten Fünfzigern und der US-Fernsehserie Mad Men inspirierte Kollektion mit knapp überknielangen Röcken entworfen hatte, lässt auch im Herbst den Saum das Knie umschmeicheln.

Die Tücken der halben Länge zeigen sich selbst an überlangen, zarten Laufstegmodels. Midi verkürzt optisch das Bein und setzt den Fokus auf die breiteste Stelle der Wade. Ohne himmelhohe Schuhe oder eine starke Taillierung sieht man mit einem Midi-Rock schnell aus wie – Margaret Thatcher. Denn die ehemalige britische Premierministerin war es, die den Midi-Look in Verruf gebracht hat.

Ursprünglich galt Midi als einmalige Verbindung von Eleganz und Pragmatismus. Von Röcken und Kleidern in Bodenlänge befreite sich die Mode schon zur Jahrhundertwende. In den 1930er Jahren pendelten sich die Rocksäume auf Kniehöhe ein. Hier, so wollte es der damalige Zeitgeist, trafen sich das Mindestmaß an Anstand und das Höchstmaß an Bewegungsfreiheit. In den 1940er Jahren wurde die Silhouette dann zusätzlich schmal, was weniger der Mode geschuldet war, als der Notwendigkeit Stoff zu sparen, schließlich herrschte Krieg.

Thatcher machte der Eleganz des Midi den Garaus

In den Sechzigern dann wurde der Midi abgelöst, um schon eine Dekade später sein erstes Comeback zu feiern. Er war ein Kernstück der britischen Kultmarke Biba und der damalige Herausgeber der Women's Wear Daily, John Burr, bewarb den Midi auf den Titelblättern seines Magazins, um den Absatz der Textilindustrie anzukurbeln.

Dann kam Margaret Thatcher an die Macht. Die eiserne Lady trug medienwirksam nichts als Midi; im knielangen Kostüm wurde die matronenhafte Politikerin zur Ikone der Achtziger. Mit dem Sex-Appeal und der Eleganz des Midi war es damit vorbei.

Die Designer, die Midi jetzt wieder auf die Laufstege bringen, wissen um diese Fallstricke. Doch ihre Designs sind clever: Jonathan Saunders steuert mit hohen Schuhen gegen, J.W. Anderson bewahrt die guten Proportionen mit dem hüfthohen Schlitz des Kleids und Erdem Moralioglu arbeitet mit Einsätzen aus transparenter Gaze, sodass Oberschenkel und Knie durchscheinen, obwohl sie bedeckt sind.

Dass der Midi auch abseits der Designateliers eine Lobby hat, beweist Alexandra Shulman, die Chefredakteurin der britischen Vogue. Der Daily Mail sagte sie: "Der Midi stellt endlich die Annahme in Frage, dass wir alle zwanghaft unsere Oberschenkel zeigen wollen."

Quelle: ZEIT ONLINE
Adresse: http://www.zeit.de/lebensart/mode/2013-02/versteckte-klassiker-fashion-week-midi-rock/komplettansicht

19.02.2013

Süddeutsche Zeitung

& other Stories – einmal erste Klasse bitte

Marketingexperten würden dem Namen eine Vier geben. Etwas sperrig und nicht sehr klangvoll. Doch die Macher sagen, genau dadurch präge man sich den Namen ein. „& other Stories“ heißt das neue, hochpreisige Label aus dem H&M-Imperium. Übersetzt „und andere Geschichten“.
Gerüchte gab es schon lange, befeuert durch Fotos aus den Lookbooks, die in den großen Modeblogs auftauchten. In diesem Frühling ist es nun so weit: in ausgewählten europäischen Städten werden die ersten Läden eröffnet.
Die Story zu der neuen Marke, die der schwedische Kreativchef Samuel Fernström mit Vorliebe erzählt, so auch an diesem Januartag während der Berliner Modewoche, klingt in der Tat anders, anarchistischer als andere Label-Startup-Geschichten. Sie geht folgendermaßen: „Ich sollte eigentlich eine Kosmetikmarke für Frauen entwickeln. Aber als wir uns die ersten Ergebnisse ansahen – schön zurechtgemachte Gesichter – fanden wir sie irgendwie nackt.“ Also wurde er bei Karl-Johan Persson vorstellig, CEO vom Modetitan H&M. Fernström bat darum, die Kosmetiklinie um vier Modekollektionen erweitern zu dürfen, jede mit eigener Schuh- und Accessoires-Linie. Und Karl-Johan Persson willigte ein, angeblich ohne zu zögern. Wenn Samuel Fernström dann weiter ausführt, dass bei H&M oft nach Bauchgefühl entschieden wird, klingt das märchenhaft in einer Zeit, in der es bei Mode immer weniger um spontane Kreativität geht, sondern um Kommerzialität.
Der 34-jährige Fernström, der seit mittlerweile zehn Jahren für H&M arbeitet, durfte sich 45 Designer aussuchen – darunter Philomène Tellaroli, die vorher für die französischen Häuser Lanvin und A.P.C gearbeitet hat, Colombe Campana von Sonia Rykiel oder Luca La Rocca, der bei Cerruti lernte. Es wurden vier Design-Teams gebildet, die knapp zwei Jahre Zeit hatten, eine Kollektionen zu entwerfen. „Wir nannten sie Berlin, New York, Paris und Stockholm“, sagt Samuel Fernström, „jede sollte die Ästhetik einer Stadt verkörpern“. Später, im Laden, tragen die Kollektionen keine Städtenamen mehr, aber die Referenzen sind offensichtlich. Der Industriechic mit viel Schwarz, Hologramm-Folien und bunten Mustern ist – „Berlin“. Die Linie „New York“ ist feminin und elegant, mit einer hochwertigen Optik und goldenen Akzenten. „Paris“ ist mädchenhaft und verspielt, mit geblümten Kleidern, viel Seide, sogar Rüschen. „Stockholm“ erinnert an die Mode der Marke Cos, die genau wie Monki, Cheap Monday und Weekday zum H&M-Konzern gehört: puristische Schnitte, hochwertige Materialien in gedeckten Farben, naturalistische Digitalprints. Zu jeder Kollektionen gibt es Schuhe und Accessoires – von der flachen Sandale aus metallisch schimmerndem Leder, die einem klassischen Brogue nachempfunden ist, über die Handtasche, mit aufwändig gefertigtem Karabinerhaken, bis zur Unterwäsche, die so penibel verarbeitet ist wie sonst nur im Luxussegment. Die Mode ist hübsch, aber die Accessoires und Schuhe sind der Hingucker.
Ab April eröffnet das neue Label also die ersten Läden, alle in den besten Lagen: in Berlin auf der Schönhauser Straße, auf der rue Saint-Honoré in Paris und in London auf der Regent Street. Mailand, Kopenhagen und Stockholm folgen. In Belgien, Finnland und den Niederlanden kann man wird man zuerst einmal nur online shoppen können, und der Rest der Welt muss auf die neue Geschichte von H&M erst einmal warten. Die Frage ist, ob die Geschichte gut genug ist, um am Markt zu bestehen. Schon bevor der erste Laden überhaupt geöffnet hat, lästerten das Branchenblatt Women’s Wear Daily und das Wall Street Journal über den Namen der neuen Marke.
Branchenkenner gehen davon aus, dass & other Stories vielleicht doch keine so ganz spontane Herzensidee war. Im Gegenteil: Es sieht eher aus wie eine von langer Hand geplante Maßnahme, die den Erfolg des Konzerns sichern soll. Im vergangenen Jahr konnte H&M sein Geschäftsziel nicht halten, jährlich 10 bis15 Prozent neue Läden zu eröffnen. Weil die Schweden in den Ausbau des Online-Handels investieren mussten, wuchs der Nettoumsatz im letzten Jahr nur noch um ein knappes Prozent. Solche Zahlen lesen sich natürlich nicht so gut. Interessanter ist da schon die Info, dass der Konzern jetzt Mode für gut betuchte Kunden hat. Vor Monaten schon tuschelten Modeblogger von H&Ms neuer „Luxusmarke“. Die in London vom Büro Karla Otto betreut wird, dem PR-Guru für Luxusmarken wie Jil Sander und Prada.
Schuld an der gegenwärtigen Flaute des Modediscounters H&M ist die Konkurrenz. Die US-Billigkette Forever 21 und das irische Primark, das in Hannover einen Flagshipstore auf vier Etagen hat, ziehen H&M die Käufer ab. „Durch die Finanzkrise hat die Kaufkraft der H&M-Zielgruppe – der 16-Jährigen bis Mittzwanziger – gelitten“, sagt die Wirtschaftsanalytikerin der französischen Bank Société Générale, Anne Critchlow, in einem Interview mit dem Wall Street Journal. Nur bei der älteren Generation sei die Kaufkraft unverändert hoch.
Das neue H&M-Label setzt auf die Käufergruppe dazwischen. Nicht mehr ganz junge, aber modeaffine Mädchen, die die Intention und das Budget haben, jede Facette ihres Charakters durch Mode auszudrücken. Klingt abgehoben, aber so sind die Frauen in ihren 20ern und 30ern, die man heute in Streetstyle-Blogs sieht. Sie mischen Altes und Neues und haben gängige Modemantras wie den kalkulierten Stilbruch oder den Materialmix verinnerlicht. Immer häufiger verneifen sie sich den Shoppingrausch im Billigshop und gönnen sich dafür ein Luxusteil – von Marken wie Acne, A.P.C., The Kooples, Sandro oder Maje. Das sind auch Frauen, die Altes vom Flohmarkt und Neues von der Stange mischen, wobei sie allergisch reagieren, wenn sie ihr neues Schößchentop an einer Kommilitonin im Uni-Proseminar oder im Club spazieren führen sieht.
Fragt sich also, ob es diese moderne Individualistin nicht unromantisch findet, ihr personalisiertes Outfit an einem einzigen Ort schnöd zusammen zu shoppen. Dass auch die Konkurrenz längst mindestens zwei Kollektionen mit unterschiedlicher Ausrichtung bietet – beispielsweise TRF und Woman bei Zara, Forever 21 und Love 21 bei Forever 21 – stört Samuel Fernström nicht. Er ist, selbstverständlich, vom Konzept der vier Kollektionen überzeugt.
Noch einmal kurz für alle Marketingstreber: Es gibt das eine Alleinstellungsmerkmal, mit dem Fernström schließlich beiläufig herausrückt. „Jeder Laden wird eine eigene Accessoires- und Schuhabteilung haben, darauf liegt der Fokus“, sagt er. Je 100 Quadratmeter soll es alleine für Schuhe geben und genau so viel für Accessoires. Solche Dimensionen findet man sonst in Nobelkaufhäusern wie Bloomingdale’s oder der Galeries Lafayette.
Auf einmal steht der eigens für & other Stories entwickelte Karabiner, der die Handtasche in eine Clutch verwandelt und den Fernström mit leuchtenden Augen präsentiert, in einem anderen Licht da. Er ist kein Haken, sondern die Pointe der Geschichte. Verstanden, Modemädchen?

15.02.2013

Musikexpress

Adam Green und Binki Shapiro

Zusammen mit dem Fotografen Françoise Kleebaum, meiner Assistentin Bianca Fleisch und dem Haare/Make-up Artisten Hauke Krause habe ich den Sänger Adam Green und die Sängerin Binki Shapiro getroffen. Die beiden hatten Streit und haben nicht miteinander geredet. Den Bildern sieht man das nicht an.









Hier das Making of zur Strecke, wie immer von Michael Braun

11.02.2013

Süddeutsche Zeitung

Erste Reihe: Trendhappen NYFW

1. Man sagt, dass das Modevolk nie isst. Das Gegenteil ist wahr – sie essen die ganze Zeit! Auf der Fashion Week New York sieht man es gerade wieder: Kaum haben sie ihre Plätze in der Schau eingenommen, fingern Redakteurinnen in den goodie bags nach Schokokeksen. Backstage sorgen die Sponsoren für Grundnahrungsmittel: In Minikühlschränken stapeln sich Wasser, Diät-Cola und der Eiweißriegel Fibre One. Gerademal 90 Kalorien hat die Geschmacksrichtung Schokolade-Karamell-Bretzel. Um einmal über den Laufsteg zu staksen reicht das.

2. Natürlich geht es während der Fashion Week um mehr als schnöde Nahrungsaufnahme. Man muss am richtigen Ort, die richten Sachen in Anwesenheit der richtigen Leute verspeisen. Im Empire Hotel ist die Trefferquote hoch: Das Designhotel dessen Lobby mit goldenen Vasen und Leoprint-Kissen dekoriert ist, gilt als hip, es gibt kostenlosen Champagner und Sterne-Häppchen im Rahmen zahlloser PR-Empfänge und man trifft nur internationales Modepublikum, denn zum Lincoln Center ist es nicht weit.

3. Im West Village bei Chez Sardine muss man für sein Essen zwar zahlen, hat aber den Zeitgeist auf seiner Seite. Seit der Eröffnung im letzten Jahr versucht halb New York einen der dreißig Plätze in dem Lokal zu ergattern, in dem Gabriel Stulmann mit seinem Team ungewöhnliche Sushi-Interpretationen zubereitet. Wer die Austern mit Äpfeln und Schnittlauchöl, Saibling mit scharfem Reis oder Rinderzunge mit Ponzusoße kosten möchte, sitzt nicht auf dem Präsentierteller, denn Chez Sardine ist unprätentiös und entspannt. Nur reservieren muss man unbedingt.

4. Viele Modemenschen trifft man auch im Standard Grill, dem Restaurant gleich um die Ecke des Standard Hotels. In dem Hotel, das seinen guten Ruf aus dem Mutterhaus in Los Angeles mitgebracht hat, wohnt man mit Blick auf den Hudson River. Im Grill verspeist man Hacksteak, Austern und Waldorfsalat unter der High Line. Diese ehemalige Hochbahntrasse, die zum Park umfunktioniert wurde ist traditionell ein beliebter Ort für aufsehenerregende Modeparties oder Pop-up Läden. Nicht ganz unwichtig – das Essen im Grill schmeckt gut.

5. Lustiger, lauter und ebenfalls lecker ist es um die Ecke im Tortilla Flats. Der kleine Tex Mex-Laden ist von oben bis unten mit Glitzergirlanden, Heiligenbildchen und Trash-Memorabilia geschmückt, es gibt gutes billiges Essen und einen Popkultur-Quiz, den der Schauspieler und Teilzeit-Kellner Ben Curtis veranstaltet. Wer die richtige Antwort weiß, wird mit einem kostenlosen Tequila belohnt. Unnötig zu sagen, dass front row Sternchen wie Blake Livley und Penn Badgley hier gern vorbeischauen.

6. Während die etablierten Designer ihre Schauen im Lincoln Center zeigen hat sich in Chelsea eine zweite Fashion Week etabliert. Im Rahmen der MADE zeigen Designer wie Alexander Wang oder Suno ihre Kollektionen und füllen das, was man als „downtown cool“ bezeichnet mit Inhalt. Wer hier snacken will, wird im Chelsea Market fündig, einem weitläufigen Lebensmittelmarkt in dem es einfach alles gibt: Gesunde Suppen bei „Hale & Hearty Soups“, Hummer und Austern im „The Lobster Place“ und das weltbeste Wassereis aus Bio-Obst bei „People´s Pops“.

7. Wer den „downtown cool“ in echt und Farbe erleben möchte schwänzt die Schauen und geht zum Frühstücken nach Soho zu „Jack´s Wife Freda“. Hier schaufeln hippe junge Dinger, die ihre Outfits liebevoll und makellos aus Flohmarktfünden und New Yorker Marken zusammenstellen Rosenwasser-Waffeln mit libanesischem lebnah-Joghurt und frischen Erdbeeren oder verspeisen „Soldaten“ mit Haut und Haar – zackig zurechtgeschnittene getoastete Weißbrotquader, die zum weichgekochten Ei serviert werden. Keine Selbstverständlichkeit in New York: Der Kaffee schmeckt gut.

26.01.2013

Süddeutsche Zeitung

Kostas Murkudis – der Macher

Seit fast drei Jahrzehnten prägt Kostas Murkudis die deutsche und internationale Mode. Der große Durchbruch bleibt ihm versagt. Wieso eigentlich?

Eigentlich kann Kostas Murkudis alles. Er hat Unterwäsche entworfen, Schuhe, Schmuck, Modelinien für Frauen und Männer, Kaschmirpullover, gehobene Sportbekleidung, Jeans, Kaufhausmode, Ledertaschen, Mobiltelefonhüllen, eine Klanginstallation, Turnschuhe sowieso. Sein Bruder Andreas Murkudis meint sogar: „Ich kenne kaum einen Designer, der so vollkommen ist wie er.“

Die Liste der Traditionsunternehmen für die der deutsche Designer mit den griechischen Wurzeln in den vergangenen 30 Jahren gearbeitet hat ist jedenfalls lang: Schiesser, Ludwig Reiter, Swarovski, Johnston Cashmere, Burlington, Pringle of Scotland, New York Industries und Coccinelle. Er war mehrere Jahre in Italien tätig und zeigt in Paris seit langem eine Mode unter seinem eigenen Namen. Vor einer Saison hat er sich als Designchef für die Frauenkollektion des deutschen Labels Closed verpflichtet. Das Ergebnis dieser Zusammenarbeit – Jeans in satten, dunklen Waschungen, Jacken und Oberteile in ungewöhnlicher Steppoptik und minimalistische Kleider in tiefen Blauschattierungen – wurde auf der Berlin Fashion Week gerade begeistert gefeiert.

Außerdem hat er mit Helmut Lang zusammen gearbeitet, fast sieben Jahre lang ab Mitte der 1980er, in Österreich. Dieser Teil seiner Vita hat nicht an Strahlkraft eingebüßt. Bis heute bringt die Modewelt Kostas Murkudis mit dem österreichischen Designer in Zusammenhang. In New York oder Tokyo heißt es dann „Kostas Murkudis, ah, einer von Helmuts Leuten. Er ist gut. “

Für den Olymp der Mode reichte es bislang noch nicht. In Paris, Mailand, London und New York werden andere Namen gefeiert. Kostas Murkudis hingegen sitzt mit seinem guten Ruf in einem schmucklosen Atelier in einem eher tristen Winkel von Berlin Mitte, auf der Potsdamer Straße. Ein Tisch, zwei Stühle, von oben Neonlicht, die Heizung ist gerade ausgefallen. Es ist still, nur aus seinem Mac Book Pro tönt leise Musik, ab und zu leuchtet das Display seines iPhones. Kostas Murkudis hat sein silbern meliertes Haar zurückgestrichen, er trägt zur schwarzen Jeans einen bordeauxfarbenen Kapuzenpulli. Alles hier ist unaufgeregt, er ist es auch.
Zum hysterischen fashion business passt das nicht. Gefragter sind große Auftritte und große Gesten. Ein künstlicher Eisberg auf der Chanel-Schau, eine lebensgroße Dampflok bei Louis Vuitton, bestellte stehende Ovationen für Giorgio Armani, Marc Jacobs im schwarzen Spitzenkleid von Comme des Garçons. Sicher, es gibt auch stille Charaktere wie die Belgier Dries van Noten, Raf Simons, oder Martin Margiela, der Unsichtbarkeit zu seinem Image gemacht hat – aber sie sind selten.
Auch Kostas Murkudis stellte sich Paris. „Ich wollte der Angst begegnen, dem Risiko zerschmettert zu werden.“ Sein eigenes Label gründete er 1994, zwei Jahre nachdem er bei Helmut Lang aufgehört hatte. Als Startkapital diente ihm das Preisgeld des Phillip Morris Design Awards, er zeigte regelmäßig eine Frauen- und eine Herrenkollektion. Von Anfang an hatte er eine treue Fangemeinde, schließlich führten international fast 80 Läden seine Marke. Doch das reichte nicht.

Über sein Scheitern spricht er nicht im Detail, aber er sagt: „Das war das Schockierendste, das mir passiert ist.“ Es gibt Stimmen, die sagen Kostas Murkudis sei eine Diva oder schlichtweg nicht talentiert genug, um einer der ganz Großen zu werden.
Sein Bruder sieht das anders: „Kostas ist introvertiert und in seiner Arbeit kompromisslos. Keiner, der in die Welt geht, um seinen Ruhm zu mehren.“ Er sagt sein Bruder sei toll, aber nicht ganz einfach.

Kaum jemand kennt Kostas Murkudis so gut wie sein Bruder, die beiden stehen sich ungewöhnlich nahe. Kostas ist Jahrgang 1959, Andreas zwei Jahre jünger. Sie kamen in Dresden zur Welt, ihre Eltern waren vor dem Militärregime in Griechenland geflohen. Eine Weile verbrachten sie in einem Auffanglager des Roten Kreuz. „Dort haben wir auf engem Raum zusammen gelebt“, sagt Andreas Murkudis, „das hat uns zusammengeschweißt.“ Er erzählt, dass sie die gleichen Schulen besuchten, alles voneinander wussten und selbst die intimsten Dinge miteinander teilten. Bis heute hat sich daran nichts geändert, sie sprechen täglich miteinander, der eine verfolgt die Arbeit des anderen, sie beraten und kritisieren einander. Was die Mode angeht, teilen sie ähnliche Werte: „Es geht um Qualität und Handwerk, mit der Wegwerfindustrie können wir nichts anfangen“, sagt Andreas Murkudis, der in seinem eigenen Laden in Berlin ausgesuchte Designer wie Balenciaga, Dries van Noten oder Nymphenburger Porzellan führt. Der Laden liegt nur einen Hof weiter als das Atelier von Kostas Murkudis. Die Brüder sind kaum einen Steinwurf voneinander entfernt.

Nachdem Kostas Murkudis seine Marke Anfang der Nuller Jahre aufgeben musste, begann er, Kollaborationen einzugehen, einige von ihnen auch auf Anraten seines Bruders. Die meisten waren nach zwei Saisons beendet, aber an Kostas Murkudis lag das nicht: „Ich hätte all diese Dinge auch länger gemacht“, sagt er, „aber Schiesser meldete Insolvenz an, Coccinelle ging es finanziell auch nicht so gut und Karstadt war schon nach zwei Saisons vorbei, obwohl wir eine ganz andere zeitliche Perspektive geplant hatten.“

Trotzdem war jedes seiner Projekte ein Erfolg. Sein Mut zu abstrakten Formen und ungewöhnlichen Farbkombinationen adelte eine Sandale der deutschen Schuhmarke Flip Flop zum high fashion Schuh und führte ein farbiges Plateau vor, lange bevor es Miuccia Prada zum modischen Standard einer Saison erhob. Über die vielen Kollaborationen sagt er heute: „Geniert habe ich mich dafür nie. Ich habe immer viel gelernt.“ Und er hat eine Anpassungsfähigkeit bewiesen, die ihn in den Augen von Gordon Giers, einem der drei Besitzer der Marke Closed, auszeichnet: „Er verfügt über die kreative Intelligenz, sich in eine Marke hineinzudenken. Er ist offen, flexibel und neugierig.“ Flexibel schon, aber nicht willenlos. Abgelehnt hat er lukrative aber für ihn unsinnige Angebote, wie zum Beispiel das, als Juror bei „Germany´s Next Topmodel“ aufzutreten. Auch eine Professur hat ihn nie gereizt. „Dafür bin ich viel zu interessiert am Machen.“

Die Verpflichtungen auf Zeit, die Kostas Murkudis vor über zehn Jahren angenommen hat, sind mittlerweile auch für noch namhaftere Designer die ganz normale Realität: Statt ein Label unter eigenem Namen zu führen, stellen sie ihr kreatives Talent zur Verfügung und verfeinern das Image einer großen Marke. Deswegen arbeitet Phoebe Philo für Celine, Kris van Asche für Dior Homme und Nicolas Ghesquière, der bis zum letzten Herbst das Design-Department für Balenciaga leitete, ist einer der ganz wenigen, die sich auf ein Label unter eigenem Namen freuen dürfen.

Für Kostas Murkudis boten die Kollaborationen, die er nach 2001 annahm und die „primär wirtschaftlich motiviert“ waren auch eine andere Möglichkeit: Er konnte die Arbeit an seiner Marke „Kostas Murkudis“ wieder aufzunehmen. Seit 2009 fertigt er wieder zwei Frauen-Kollektionen im Jahr und präsentiert sie in Paris im Showroom. Seit 2010 wird er durch die Münchner Agentur Loews vertreten, die auch Prada und Jil Sander zu ihren Kunden zählt. Seine Muse ist das Model Luca Gadjus, die für Marken wie Miu Miu und Prada arbeitet. An ihr führt er die meisten seiner Kollektionen vor.

Sein Scheitern in Paris war nicht das Ende seiner Karriere. Im Gegenteil. Denn heute fügt sich Vieles so wie Kostas Murkudis es immer wollte: Er lebt und arbeitet in Berlin. Dort, wo seine Familie ist, also Andreas, dessen Frau und Kinder und auch der über 80jährige Vater, der dreimal im Jahr nach Berlin kommt und dann für zwei Monate bleibt. Dort wo seine Freunde sind, sein kleines Netzwerk, in dem Kunst und Mode zusammenlaufen.
Seine eigene Kollektion führt er in kleinem Rahmen fort, wie er sagt „als Fingerübung, um zu sehen, dass ich es noch kann.“ In der kommenden Saison wird er es mit schwarzer Seide, feinen Baumwollen und Bast sagen – die Stoffproben sind schon zu Collagen zusammengelegt, auf dem Tisch in seinem Atelier.
Mit Closed hat er einen Arbeitgeber gefunden, der ihm die Arbeitsbedingungen bietet, die er braucht. Die in den 80er Jahren gegründete Marke, die die Erfindung der Designerjeans für sich beansprucht, nimmt sich bewusst Zeit, sich langsam zu entwickeln. Designer wie Martin Margiela und Ennio Capasa von Costume National haben hier gearbeitet, die letzte Designerin, die von Burberry kam, schied nach sechs Jahren nur deswegen aus, weil sie mehr Zeit mit ihren zwei Kindern verbringen wollte.
Gordon Giers nimmt Kostas Murkudis und seine Bedürfnisse ernst. Er kann sich seine Zeit frei einteilen und man hat ihm in Hamburg einen eigenen Arbeitsraum eingerichtet – ohne Telefone, ohne Durchgangsverkehr, ohne Störungen. Genau das richtige für einen, der Rückzug liebt. Dem Designer scheint es zu gefallen. Im Herbst stand er auf der Liste der möglichen Nachfolger für das französische Haus Balenciaga. Bei Closed hielt man den Atem an. Aber Kostas Murkudis blieb. Er sagt: „Da wo ich gerade bin, fühle ich mich wohl.“

21.12.2012

Musikexpress

Siegertreppchen

Mit dem Fotografen Amos Fricke und der Haare/Make-up Artistin Ewa Cervena entstand diese Strecke für den Musikexpress. Wir würdigen die Gewinner der ME-Style Awards, unter anderem die Designer Hien Le und Marc Jacobs.

21.11.2012

Musikexpress

Lianne La Havas

Lianne La Havas war kurz in Hamburg und hatte Zeit für einen Nachmittag mit dem Fotografen Anselm Woesler, meinem Assistenten Henning Jurke und mir. Sogar die Sonne kam kurz raus. Jetzt erscheint die Produktion in der Dezember-Ausgabe des Musikexpress.











Making of: Michael Braun/RomanundBraun

20.11.2012

Zeit Online

Nicolas Ghesquière verlässt Balenciaga

Das Stühlerücken in den Designabteilungen der großen Modehäuser geht weiter. Nachdem in diesem Frühjahr Raf Simons von Jil Sander zu Dior wechselte und Hedi Slimane sich bei Saint Laurent Paris verpflichtete, trennen sich nun Balenciaga und Nicolas Ghesquière.

Am Montag erklärte der Luxusgüterkonzern Pinault-Printemps-Redoute (PPR), dass der verantwortliche Designer das französische Modehaus zum Monatsende verlässt. In der Erklärung heißt es, die Entscheidung sei einvernehmlich gefallen. Einen Nachfolger für Ghesquière gab PPR vorerst nicht bekannt.

Der Gründer von PPR, François-Henri Pinault, lobte Nicolas Ghesquière für sein "unvergleichliches kreatives Talent" und würdigte seine Arbeit als "entscheidend für die einzigartige Ausrichtung des Hauses". Ghesquière selbst stand für eine Stellungnahme nicht zur Verfügung, weil er sich auf einer Japanreise befindet.

Der Abgang kam überraschend, denn Nicolas Ghesquières Arbeit war künstlerisch und kommerziell erfolgreich. Er hatte großen Rückhalt innerhalb von PPR und galt unter Modekritikern als visionärer Kopf. Im dritten Quartal dieses Jahres steigerte die PPR-Gruppe, zu der auch Alexander McQueen, Gucci und Stella McCartney gehören, ihren Gewinn um knapp sieben Prozent. Raf Simons, der als Designer für Jil Sander von Kritikern stets bejubelt wurde, konnte dagegen seine Vision gegenüber dem Haus wohl deswegen nicht länger durchsetzen, weil der kommerzielle Erfolg fehlte.

Eine Linie unter eigenem Namen

Nicolas Ghesquière arbeitete fünfzehn Jahre für Balenciaga. Außer ihm können nur Marc Jacobs, der ebenfalls seit fünfzehn Jahren für Louis Vuitton arbeitet, und Karl Lagerfeld, der bei Chanel seit dreißig Jahren das Design bestimmt, auf eine ähnlich lange Karriere in einem Modehaus zurückblicken.

Ghesquière, der zuvor als Assistent bei Jean-Paul Gaultier gearbeitet hatte, erwies sich schnell als unerschrockener Erneuerer des Couture-Labels, das der Spanier Christóbal Balenciaga 1937 gegründet hatte. Ghesquière scheute das große Erbe nicht und zitierte stilprägende Formen wie die geradlinige I-Linie oder die locker fallenden Kimonoärmel, die der Kundin Bewegungsfreiheit erlaubten. Dem historischen Erbe des Couture-Hauses stellte er sein Faible für Science-Fiction gegenüber. Er entlehnte High Heels den Uniformen von Football-Spielern, zeigte Kleider aus Neopren und Silhouetten, die an Comic-Heldinnen erinnerten. Der häufige Einsatz von Funktionsstoffen und extremen Schnitten prägten Ghesquières Kollektionen ebenso wie die Tragbarkeit seiner Entwürfe.

Bernard Arnault, Chef des Luxuskonzerns Moet Hennessy Louis Vuitton (LVMH) soll Ghesquière laut einem Bericht der New York Times bereits eine Linie unter eigenem Namen und der Leitung seiner Kinder Delphine und Antoine Arnault angeboten haben. Das könnte durchaus eine Möglichkeit für den Franzosen sein. Im Gespräch mit Tom Ford für das amerikanische Interview-Magazin sagte Ghesquière vor einigen Jahren: "Ich stecke soviel von mir selbst in Balenciaga, dass ich, wenn jemand zu mir sagen würde 'Komm, lass uns das Nicolas Ghesquière Projekt umsetzen', das nicht könnte."

04.11.2012

Süddeutsche Zeitung

Erste Reihe: Namen

1. Seit wann wird eigentlich so ein Aufhebens gemacht um den richtigen Baby-Namen? US-Schauspielerin Uma Thurman etwa taufte ihre kleine Tochter auf den, ähem, die Namen: Rosalind Arusha Arkadina Altalune Florence – kurz Luna. Eigentlich ist es egal, denn wenn sie mal groß ist und auch im Showgeschäft reüssieren will, kann sie sich einen Künstlernamen zulegen. Wie Popstar Lizzie Grand, die derzeit als Lana del Rey Erfolg hat. Oder Sänger Prince, der den schwer aussprechbaren Namen hat: O(+>.

2. Prince legte seinen Namen ab, weil seine Plattenfirma die Rechte an seinem Namen hielt. Ganz anders die Fußballstadien in Deutschland: Sie lassen sich zur hochglanzpolierten Arena umbauen und nennen sich fortan nach ihren Finanziers: So heißt das ehemalige Waldstadion in Frankfurt nun Commerzbank Arena, das Westphalen-Stadion in Dortmund Signal-Iduna-Park, die Stuttgarter kicken im Gottlieb Daimler Stadion und die armen Nürnberger gehen nicht ins Franken- sondern ins Easy Credit-Stadion. In Bremen ist die Welt in Ordnung: Das Weserstadion heißt nicht Wiesenhof-Arena.

3. Die Werbung suggeriert gerne, dass ein Produkt sich alleine dadurch ändert, dass man ihm einen neuen Namen gibt. Was natürlich Quatsch ist. Im „Happy Meal“ steckt ebenso wenig Glück wie in der „Juniortüte“ dafür ähnlich viel Fett. „Twix“ schmeckt immer noch wie „Raider“ und die „Agentur für Arbeit“ zu besuchen ist genau so deprimierend wie das „Arbeitsamt“. Und was „Sky“ angeht: Sportfans gucken in die genau gleiche Röhre wie damals bei „Premiere“. Aber die Werbung ist besser.

4. Die Swastika ist in Indien ein Glücksbringer, die mit der Symbolik des Hakenkreuzes hierzulande nichts zu tun hat. Als Rajeh Shah im indischen Ahmedabad sein Modegeschäft „Hitler“ nannte (nach seinem Großvater) und ein Hakenkreuz in den i-Tupfen malen ließ, dachte er sich nichts Böses. Kurz darauf konnte er sich vor übler Presse aus dem Westen kaum retten. Jetzt sucht er nach einem neuen Namen für seinen Laden. Kleiner Tipp, Mister Shah: „Napoleon“ wäre halbwegs unbedenklich.


5. Hedi Slimane hat einen Namenstick. Wo er hinkommt, muss er Namen ändern. Als Chefdesigner bei Dior taufte er 2001 „Christian Dior Monsieur“ in „Dior Homme“ um. Jetzt krempelt er auch das französische Modehaus Yves Saint Laurent mit den drei verschlungenen Buchstaben – YSL – um und nennt es „Saint Laurent Paris“. Zwar hieß es in den 70er Jahren schon einmal so, aber da saß es auch in Paris. Hedi Slimane hingegen verlegt das kreative Herz kurzerhand nach Los Angeles, ausgerechnet. Armer Yves!

6. 1953 beschloss der damalige Ministerpräsident der DDR, Otto Grotewohl, Chemnitz in Karl-Marx-Stadt umzutaufen. Dass Marx aus Trier stammte, störte ihn wenig; aus Chemnitz sollte eine sozialistische Prachtstadt werden. Die Band Kraftklub hat ihrer Heimatstadt ein Lied gewidmet. Der Refrain stimmt etwas traurig: „Ich komm aus Karl-Marx-Stadt / bin ein Verlierer Baby/ original Ostler“. Wie Grönemeyers „Bochum“ ist es eine Hymne für eine Stadt, deren Strahlen man erst auf den zweiten oder dritten Blick erkennt.

7. Noch lieber als ihren Namen zu ändern, lassen sich Stars Lebensweisheiten und Glücksformeln auf den Körper tätowieren, gern in glücksformelreichen Schriften wie chinesisch oder hindi. Blöd nur, wenn der Tätowierer das Rechtschreibeniveau eines Grundschülers hat. So steht auf David Beckhams Arm nicht „Victoria“ , sondern „Vihctoria“ und auf Britney Spears Hüfte „seltsam“ statt „geheimnisvoll“ – auf chinesisch. Glück hatte Justin Timberlake, der sich für eine Filmrolle den halben Arm mit japanischen Schriftzeichen zuhacken ließ. Der „Eiskunstlaufen“- Schriftzug war abwaschbar.

10.09.2012

Süddeutsche Zeitung

In der Grauzone

Offiziell gibt es in Deutschland keine Mode für Senioren. Sicher, Kleidung für Menschen, die beim Ankleiden auf die Hilfe anderer angewiesen sind, gibt es wohl. Im Fachhandel oder Sanitätshaus. Aber modische Bekleidung, die sich explizit an Ältere wendet? Nicht in deutschen Einkaufsstraßen.

Dort sieht es aus, als wäre Deutschland von Teenagern bevölkert. Miniröcke und grelle Prints bei Zara, knallbunte Hosen bei C&A, bauchfreie Strickpullis bei Benetton und selbst im konservativen Kaufhaus Peek & Cloppenburg hängen in diesem Spätsommer Röhrenjeans und T-Shirts, die mit Tribalmotiven bedruckt sind. Dabei liegt das durchschnittliche Alter der Deutschen bei 43,7 Jahren, laut Angaben des Europäischen Statistikamts Eurostat. Und die Menschen werden bekanntlich immer älter - Frauen im Durchschnitt etwa 82 Jahre und die Männer 77,5 Jahre.

Über Kaufkraft verfügt die Generation der jetzigen Alten allerdings auch, deswegen hat die Werbeindustrie ja so schöne Bezeichnungen für sie erfunden - die "Best Ager", die "Generation Gold" und die "Master Consumer". Kleiden müssen sie sich allesamt, nur bislang wollte die Kleider niemand für sie entwerfen.

Die kurze Hoffnung, der schwedische Konzern H&M könne sich dieser Altersgruppe annehmen - es gab Gerüchte über eine neue Marke - verflüchtigt sich bei der Anfrage in der Presseabteilung. Ein Label für ältere Leute? Nein, das sei nun wirklich nicht geplant. Wer sich in deutschen Einkaufsstraßen umsieht, wundert sich jedenfalls nicht, dass viele Senioren zu beigefarbener Funktionsbekleidung aus dem Katalog greifen - eine pure Verzweiflungstat.

Dabei führt die Modebranche selbst schon seit einiger Zeit vor, dass ältere Menschen eine Rolle spielen. Der Schmuckhersteller Bulgari wirbt mit der italienischen Schauspielerin Isabella Rossellini, die im Juni 60 Jahre alt geworden ist. In der Herbst-Winter-Kampagne der französische Luxusmarke Lanvin ist das Amateurmodel Jacquie "Tajah" Murdock zu sehen, sie ist 82. Und die amerikanische Modekette American Apparel, die für ihre Kampagnen mit jungen Angestellten in freizügigen Posen bekannt ist, wirbt nun mit Jacky O'Shaughnessy, einer wunderschönen Dame mit langen, grauen Haaren, die Ende des Jahres ihren 61. Geburtstag feiert. Und die nichts an einem "crotch shot" findet, einem Foto, bei dem die Kamera auf ihre gespreizten Beine hält.

Ja, ältere Herrschaften erleben gerade so etwas wie ihren zweiten Frühling, in der Mode. Sie tauchen in Modeblogs auf (advancedstyle.blogspot.com) und auf internationalen Laufstegen, zum Beispiel in Paris bei Jean-Paul Gaultier, in Berlin bei Michael Michalsky, in Mailand für den Herrenmodedesigner Adam Kimmel. Umso erstaunlicher, dass sich so wenige Modemarken mit dieser Klientel befassen wollen.

Womit man unweigerlich bei Gerry Weber ist. Die Firma hat - und das gilt auch für andere Damenoberbekleidungshersteller - nur leider nicht den Appeal eines angesagten Modelabels. Die Sachen sind bekannt dafür, unauffällig zu sein, was aber nicht mit "minimalistisch" zu verwechseln ist. Aktuell heißt das: Strickcardigans mit ethnisch inspirierten Mustern, Blazer in den üblichen Herbstfarben, schmale Hosen und gestreifte T-Shirts. Aber dort traut man sich zu sagen, dass Menschen jenseits der 40 eine andere Mode brauchen. In dieser Hinsicht könnte man Gerry Weber also durchaus "radikal" nennen.

Doris Strätker betreut das Design aller Gerry-Weber-Kollektionen und sitzt auch im Vorstand. Sie sagt: "Zwischen 40 und 45 verändert sich die Silhouette der Frau. Damit wollen sich die wenigsten Firmen befassen. Es ist einfacher, für 16- bis 30-Jährige zu entwerfen."

Viel einfacher, denn: Irgendwann verschwindet langsam die Taille. Mal mehr, mal weniger, je nach Lebensstil und Veranlagung. Nicht alle Frauen nehmen beispielsweise durch die Wechseljahre zu, in jedem Fall aber ändert sich die Silhouette. Was die Massenmodeketten auf ihre Kleiderständer hängen, ignoriert jegliche mögliche physische Veränderung. Ein Sonderfall ist die Übergrößenkollektion von H&M - aber älter zu werden bedeutet ja nicht zwangsläufig, rund zu werden. Wenn eine Frau jenseits der 40 trotzdem weiter bei den sogenannten Highstreetlabels einkaufen will, braucht sie ein gutes Händchen (COS ist besser geschnitten und um einiges eleganter als H&M!). Oder aber sie sieht aus, als würde sie die abgelegten Klamotten der eigenen Tochter auftragen.

Wie sieht man das Thema "Mode im Alter" bei Strenesse, jenem deutschen klassisch-eleganten Modelabel, das vor mehr als sechzig Jahren in Nördlingen/Bayern gegründet wurde, und das von Gabriele und Gerd Strehle und seit diesem Jahr auch von ihrem Sohn Luca geführt wird? Gabriele Strehle sagt am Telefon, es sei ihre Erfahrung, dass das Bedürfnis nach gut Gemachtem mit dem Alter steige - man setze mehr auf "Investmentmode" denn auf "Verschleißteile". "Ein Mensch sieht nur gut aus in einem Kleidungsstück, wenn er sich darin körperlich wohl fühlt", sagt sie. "Das ist eine Frage der Materialien, der Passform, der Nähte, des Schnitts. Ich frage mein Team immer: Ist das Teil wirklich hautig? Das Wort gibt es nicht. Versteht aber jeder. Das heißt, die Mode als Haut begreifen." Bei Strenesse werden alle Kollektionen in den Größen 34 bis 42 angeboten - recht sinnvoll, wenn man bedenkt, dass die Durchschnittsgröße deutscher Frauen keine 36, sondern eine 42 ist.

In jeder Größe werden alle Proportionen sorgfältig bedacht. In Nördlingen genauso wie in Halle. Frau Strätker von Gerry Weber erklärt, warum das so wichtig ist: "Übersetzt man einen Schnitt auf unterschiedliche Größen, ändern sich alle Details: vom Abnäher über das Revers bis hin zu den Taschen, die neu gesetzt werden müssen. Jacketts werden beispielsweise pro Größe einen Zentimeter länger - deswegen sehen ab Größe 42 zwei Knöpfe besser aus als einer." Trotzdem: Im Hause Strenesse ist man darauf bedacht, nicht den Eindruck zu erwecken, man entwerfe Mode für die ältere Generation. Gabriele Strehle weist darauf hin, dass Frauen heute andere Körper haben, dass sie Yoga machen und sich gesund ernähren. Das bedeutet also in logischer Konsequenz: Diese Frauen fühlen sich von einem jüngeren Model wie Luca Gadjus vielleicht mehr animiert als von einer rüstigen älteren Dame.

Wenn jemand weiß, was es bedeutet, für Senioren Mode zu entwerfen, dann Fanny Karst. Die 27-jährige Französin und Absolventin des Central Saint Martins College in London entwirft ganz explizit Mode für ältere Damen. Sie hat nichts dagegen, wenn auch Mädchen ihre Mode anziehen, aber ihre Zielgruppe sind die über 50-Jährigen. Meistens sind sie noch älter.

Kürzlich präsentierte Karst ihre vierte Kollektion. Kleider, Röcke und Hosenanzüge in Weiß und Marineblau, mit Digitalprints von Urlaubsmotiven, etwa einem Baum vor einem abendlichen Horizont oder einer palmengesäumten Chaussee. Auf dem Rücken einer Jacke steht "See you in Paris next year. Perhaps." Beige sucht man hier vergeblich, auch von kitschigen Pastelltönen hält die Designerin nichts. Ihre Mode spielt mit der Vergänglichkeit, ist aber wunderschön und lebensbejahend. Auf der jüngsten Show im Londoner Westend präsentierten fünf lässige Omis ihre Mode. Eine von ihnen ging an einem Stock mit silbernem Knauf. Alle trugen Espadrilles, jede für sich sah hinreißend aus. "Old Ladies Rebellion" heißt ihr Label - übersetzt: die Rebellion der alten Damen. Die Mode ist ungewöhnlich, elegant, und ziemlich frech. Und man denkt nicht einen Augenblick daran, dass diese Mode zu jung sei für ihre Models.

Fanny Karsts Faszination für betagte Damen hat ganz persönliche Gründe. "Ich habe immer meine Großmutter bewundert", erzählt sie. "Sie hatte nicht einmal einen großen Hang zur Mode, trug aber alles mit einer unglaublichen Haltung. Ich wollte für alte Damen entwerfen - so wie ich das sehe, ist das Alter ihre Stärke. Sie müssen keine Rücksicht mehr nehmen, trauen sich, exzentrischer zu sein, und sagen frei heraus, was ihnen gefällt und was nicht."

Ihre Kundinnen gewinnt Fanny Karst per Mundpropaganda. Sie kommen dann ins Atelier zu Anproben und geben der Designerin Feedback, was ihnen gefällt und was nicht. Fanny Karst zeigte ihre Kollektion in diesem Jahr zum ersten Mal in Paris. Doch ausgerechnet in der Stadt der Mode war man für die "Old Ladies Rebellion" noch nicht so ganz bereit. "Ich hatte laute Hip-Hop-Musik ausgesucht, zu der meine Damen die Kollektion vorführten. Das Publikum war ein bisschen schockiert. Ihnen fehlt wohl der britische Humor", erzählt Fanny Karst.

Tatsächlich ist Mode für Ältere bislang überwiegend genau das: humorlos. Kleidung für Ältere, das führt der Teleshoppingsender HSE24 täglich vor - mit Marken wie Sarah Kern und Helena Vera -, muss kaschieren, verspielte Details haben und einen gewissen Stretchanteil. Das kommt bei der Zuschauerin an - der Modeanteil des Sortiments hat sich in fünf Jahren mehr als verdoppelt. "Unsere Hauptzielgruppe in der Mode sind Frauen zwischen 40 und 60", sagt Eva Brüning, die Leiterin der Abteilung Softgoods - also: Textilien. "Aber auch ältere Damen werden bei uns fündig." Brüning erklärt, dass auch hier die Schnitt-Techniker die Körperproportionen berücksichtigen, die sich mit dem zunehmenden Alter ändern. Außerdem werden die meisten Artikel von Größe 36 bis 54 angeboten - und es gibt außerdem Kurzgrößen für die nicht so groß gewachsene, ältere Generation. "Wir passen die Schnitte so an, dass sie auch bei einer Körpergröße von unter 1,68 Meter passen - die Hose also nicht unter der Brust sitzt", erklärt Brüning.

Die älteren Zuschauerinnen schätzen die Präsentationen im scheinbar privaten Rahmen, ein Konzept aus vergangenen Tagen. Bei HSE24 wird die Zuschauerin direkt vom Moderator angesprochen, er gibt Pflegehinweise und Infos zu den Trends der jeweiligen Saison. Die jüngeren Zuschauer grinsen und wünschen sich für ihre älteren Verwandten einen frischeren Look. Vielleicht folgen ja bald noch mehr Designer dem Beispiel von Fanny Karst. Ein paar Farbtupfer täten der beigefarbenen Landschaft da draußen ganz gut.

Foto: Amina Nolan
http://www.sueddeutsche.de/stil/modeindustrie-entdeckt-senioren-in-der-grauzone-1.1461937

05.08.2012

Süddeutsche Zeitung

Die Guten ins Körbchen

In einer Zeit, in der die Mode immer schneller wird, machen sie einen hoch effizienten Job: die Einkäufer der Online-Kaufhäuser. Sie müssen wissen, was sich verkauft – lange bevor etwas Trend wird. Unterwegs mit einem „Buyer

Es ist immer dasselbe, ob in Paris, London, oder in Mailand, wo vor kurzem die Herrenmodenschauen stattfanden: Für die Schauen selbst bleibt einfach keine Zeit. Während Moderedakteure und Stylisten bei 35 Grad im Schatten auf die nächste Schau warten, rauchen und Vitamin-Mineralwasser trinken, müssen die Einkäufer weiter.
Im klimatisierten Showroom L.A. Distribuzione begutachtet Matteo Fontanelli die neueste Kollektion der amerikanischen Marke Band of Outsiders. Zuerst verschafft er sich einen Überblick über die Kollektion, Sommer 2013. Auf eine Kleiderstange hängt er die Stücke, die ihm gefallen. Hier eine Hose, da ein Hemd, dort drüben ein Jackett. Immer wieder fährt der Einkäufer mit den Fingern über die Stoffe, sieht sich Nähte und Verarbeitung ganz genau an. Ab und zu schlüpft er sogar selbst in eine Jacke, um ihren Sitz zu überprüfen. Wie fühlt sich der Stoff auf der Haut an? Wirft er Falten? Lässt sich das Teil überhaupt waschen? Eigenheiten erfährt er vom Showroom-Mitarbeiter.



Matteo Fontanelli ist ein „Buyer“, ein Einkäufer, für das italienische Online-Kaufhaus Luisaviaroma. Und er macht den vielleicht effizientesten Job in der Branche. Die Online-Einkäufer setzen Trends, bevor die Modemagazine sie ausrufen. Was sie aussuchen, wird dank der globalen Reichweite des Internets weltweit geklickt und gekauft. Die Einkäufer sorgen dafür, dass neue Kollektionen in den führenden Online-Kaufhäusern wie Luisaviaroma.com, Netaporter.com und Mytheresa.com ausliegen, bevor sie im konventionellen Handel verfügbar sind. Oder man in der Vogue über sie liest.
Natürlich arbeiten auch Programmierer, Grafiker und Redakteure für die Online-Kaufhäuser. Aber es sind die Einkäufer, die einfach alles über die aktuelle Mode wissen müssen. Sie stellen ein feinsinniges Sortiment zusammen, wie man es bislang nur aus „concept stores“ –Themenläden – wie Colette in Paris, Dover Street Market in London oder Excelsior in Mailand kannte.
Bekannt ist keiner der Experten, die für die etablierten Online-Häuser auf Shopping-Tour gehen. Im konventionellen Modehandel ist das nicht anders. Kaum einer weiß, wer den Einkauf für ein Haus wie das KaDeWe, Ludwig Beck oder die Galeries Lafayette macht. Aber im konventionellen Handel werden selten Trends gesetzt. Online schon.
Bisher kaufte man sich Magazine wie die Vogue, um zu erfahren, was wichtig ist. Man sicherte sich durch die Kritiken von Suzy Menkes oder Cathy Horyn in der New York Times ab. Kollektionen schaute man auf style.com.
Jetzt klickt man auf Netaporter, Luisaviaroma oder Mytheresa und sieht die aktuellen Kollektionen in Bildern, die ungleich tiefenschärfer und detailgenauer sind, als alles was man gedruckt zu sehen bekommt. Als Zugabe gibt es Vorschläge für die Kombinationen von Kollektionen und Tipps für das richtige Outfit zum richtigen Anlass. Ein Ersatz für die herkömmlichen Modemedien ist das noch nicht. Aber eine ernstzunehmende Ergänzung, die die Deutungshoheit der konventionellen Mode-Medien infrage stellt.
Allein in Deutschland kaufen laut „Arbeitsgemeinschaft Online Forschung“ insgesamt 85,5 Prozent der Internetnutzer in den vergangenen zwölf Monaten Produkte online. Das sind umgerechnet 42,88 Millionen Menschen. Damenbekleidung und Schuhe rangieren auf Platz vier der Bestsellerliste. Und es ist etwas anderes, ob ein weißes T-Shirt im Peek & Cloppenburg in Wolfenbüttel ausverkauft ist, oder ob es weltweit vegriffen ist. Als Susanne Botschen, die Chefeinkäuferin von Mytheresa, vor rund einem Jahr einen Turnschuh der französischen Designerin Isabel Marant anbot, entschied sie sich für ein schwieriges Stück. Der „Betty Sneaker“ hat ein verstecktes Plateau und sieht aus wie ein orthopädischer Korrekturschuh. Er war über Nacht ausverkauft, auch bei Netaporter. Bis heute gibt es Wartelisten für diesen Turnschuh. „Wenn es so läuft, macht der Job Riesenspaß“, sagt Botschen.
Aber was ist zu tun, damit es so läuft? Auf den ersten Blick arbeiten Online-Einkäufer wenig anders als ihre Offline-Kollegen. Sie sichten in Showrooms die aktuellen Kollektionen und ordern ausgewählte Stücke. Sie besuchen die großen Modemessen, immer auf der Suche nach neuen, vielversprechenden Marken. Aber wer einen Online-Buyer begleitet, sieht: ihr Zeitplan ist atemloser, ihre Werkzeuge präziser. Sie sind, schlichtweg schneller.
Matteo Fontanelli, Einkäufer für „contemporary menswear“, setzt auf ein dreiköpfiges Team, einen Laptop, ein iPad und eine Handvoll Smartphones. An einem durchschnittlichen Arbeitstag stehen drei bis vier Showrooms mit je bis zu fünfzehn Kollektionen auf dem Programm. Fast sechzig Kollektionen sichtet Matteo Fontanelli so an einem Tag. Auf ein solches Pensum kommt nicht einmal die geschäftigste Moderedakteurin. Im Mailänder Showroom stellt er fünf komplette Looks zusammen. Wie ein Stylist sucht er nach interessanten Kombinationen – gute Farbzusammenstellung, interessanter Materialmix, schlüssige Proportionen. Dann muss sein Team ran: Ein Model schlüpft in die Outfits, die von allen Seiten fotografiert werden. Details werden als Nahaufnahmen mitgenommen. Parallel protokolliert Fontanellis Assistentin die Order auf dem Laptop. „Gestione Ordini“ heißt das Computerprogramm, in dem man nicht nur die Stückzahl und den Preis einträgt, sondern zudem jedes noch so kleine Detail vermerken kann. Wie viele Taschen hat das Jackett? Ist die Jeanswaschung „sandblasted“ oder doch „frat pack wash“?
Während Fontanelli die Kollektion durchgeht, hat er stets sein iPad im Auge. Der Tablet-PC verrät ihm, welche Stücke der aktuellen Band-of-Outsiders-Linie sich gut verkauft haben, wie überhaupt alle älteren Kollektionen gelaufen sind. Und er kann live verfolgen, wenn es gerade einen Run auf ein bestimmtes Teil gibt. Diese Zahlen beeinflussen seine Bestellung. Jedoch: Deutlich weniger, als man vermuten würde. „Die kommerziell erfolgreichen Stücke interessieren mich nicht. Ich lasse mir bewusst die ungewöhnlichen zeigen.“ Spricht’s und hängt ein halbtransparentes Regencape für Herren mit auf den Rollständer. Es ist mit rot-blauen Segelboot-Motiven bedruckt und sieht nach einem niedlichen Kleidungsstück für Schuljungs aus. Man kann sich schwer vorstellen, dass es viele Männer gibt, die dieses Gummi-Mäntelchen freiwillig anziehen würden.



Aber Matteo Fontanelli ist sich seiner Sache sicher. Der typische Online-Kunde sei schließlich, so erklärt er, überdurchschnittlich modeaffin, überdurchschnittlich gut informiert und suche nach außergewöhnlichen Stücken. Allerdings: „Onlinekunden sind faul“ , so Matteo Fontanelli. „Je mehr Klicks sie zwischen dem Kleidungsstück und dem Einkaufswagen machen müssen, desto unwahrscheinlicher wird es, dass sie etwas kaufen. Deswegen muss auf einen Blick alles klar sein: Material, Stoff, Verarbeitung, Schnitt und Image des Stücks.“
Der Einkäufer des italienischen Onlinestores Luisaviaroma kennt jede Kollektion seiner Kunden bis ins Detail. Zu den Modenschauen gehe er selten. Dort gebe es schlicht nichts Neues für ihn zu sehen. Alle Looks stünden bereits Stunden später auf der Modefotoplattform Style.com. Und von den Kollektionen selber sieht er im Showroom mehr, als alle Gäste in der ersten Reihe zusammen. „Mindestens die Hälfte des Jahres bin ich unterwegs, um einzukaufen“, erzählt Fontanelli. Für Susanne Botschen von Mytheresa gilt das gleiche. Sie sagt: „Man muss für diesen Job eine wirkliche Passion haben. Sonst kann man das nicht.“ Beide haben ihr Privatleben mit dem Beruflichen verbunden – die Freundin von Matteo Fontanelli ist Einkäuferin für Prada, ihr Terminplan ist ähnlich hektisch wie der ihres zukünftigen Ehemanns. Und Susanne Botschen ist nicht nur Chef-Einkäuferin, sondern auch Besitzerin von Mytheresa. Sie führt das Unternehmen gemeinsam mit ihrem Mann. Wenn sie ein halbes Jahr lang aus dem Koffer leben, machen sie das zumindest gemeinsam.
Konkurrenz gibt es übrigens kaum unter den Einkäufern der Online-Kaufhäuser. Matteo Fontanelli erzählt, dass er wenig darauf gibt, was die Mitbewerber einkaufen und was sie liegen lassen. Es fällt ihnen sowieso nicht auf, weil die Showroom-Besitzer die Termine so vergeben, dass sich niemand in die Quere kommt.
Mag sein, dass die Arbeit der Einkäufer wenig glanzvoll ist. Keine Champagnerparties, keine vielkommentierten Auftritte in den großen Modeblogs, wie man es von Moderedakteuren, Stylisten und Bloggern kennt. Die größte Freude für die Einkäufer von Luisaviaroma und Mytheresa ist es, wenn sich die „Sold out“-Meldungen häufen. Oder ein renommiertes Kaufhaus wie das New Yorker Barney´s seinen Online-Handel so ausbaut, das er zum eigenständigen Laden wird. Dann genießen sie die stille Genugtuung, wieder mal genau gewusst zu haben, wohin der Trend geht.

Bild:Alex Bohn

16.07.2012

Zalando

Guideline-Shooting Teil II

Tag zwei der Produktion für Zalando, aufgenommen in den Berlin Studios. Fotografin: Frauke Fischer, Haare/Make-up: Manuela Kopp/ Nina Klein, Models: Julia/Place Model Management, Laurin Titze/SPIN Models

15.07.2012

Musikexpress

Saschienne

Für die Ausgabe 7/2012 statten wir dem DJ Sascha Funke und seiner Frau Julienne einen Hausbesuch ab. Fotograf: Andreas Lux, Styling: Alex Bohn, Alex Heckel, Assistenz: Elisabeth Dermaris, Making of: Michael Braun (ROMANundBRAUN)
















Und hier das Making of zur Strecke – mit Musik von Saschienne

14.07.2012

Zalando

Guidelineshooting Teil I

Im Juni habe ich für die Münchner Agentur Janvier Burger & Stasch das Styling des Guideline-Shootings für das Berliner Online-Versandhaus Zalando übernommen. Jetzt gibt es eine Auswahl der Bilder zu sehen.

Fotografin: Frauke Fischer, Haare/Make-Up: Manuela Knopp/ Nina Klein, Models: Fabienne/ Iconic Management, Alex/ SPIN Models

13.07.2012

MICT – Konzept

The Niles – die zweite Ausgabe

Journalisten aus Sudan und Südsudan haben gemeinsam die zweite Ausgabe ihrer Zeitung „The Niles“ veröffentlicht. Die englisch-arabische Publikation erschien am 9. Juli 2012, dem ersten Geburtstag der beiden jüngsten Staaten der Welt. Motto der diesjährigen Ausgabe ist das sudanesische Sprichwort: „When two elefants fight, it is the grass that suffers.“ Das Konzept für die einmal jährlich erscheinende Zeitung habe ich mit Sven Recker für die Medienentwicklungs-Organisation MICT entworfen. Teil der neuen Ausgabe (siehe auch: theniles.org) ist eine musikalische Hommage an den jüngst verstorbenen sudanesischen Sänger Mohammed Wardi. Hier anhören...

12.07.2012

Universität der Künste Berlin

Berlin Fashion Week – der Katalog zur Schau

Einmal im Jahr präsentiert die Universität der Künste die Arbeiten des Studiengangs Modedesign im Rahmen einer Modenschau. In einem Katalog werden die einzelnen Kollektionen und die Klassen in denen sie entstanden sind vorgestellt. Mit der Klasse von Professor Stephan Schneider habe ich die Umsetzung des Lookbook- und Editorial-Shootings für ihr Projekt "Regenzeit" erarbeitet. In dem Katalog sind Auszüge daraus zu sehen.

Fotograf: Andreas Lux
Haare-Make-up: Isabel Eiler
Produktion: Alex Bohn
Models: Debbie Wallice/ Seeds, Pia Denker/ Seeds

23.06.2012

Zeit Online

Jil Sander: Es ist eine ganz große Freude, zurück zu sein

Viel Zeit hat sie sich nicht gelassen. Im Februar kehrte Jil Sander als Chefdesignerin zu der Marke zurück, die sie 1968 in Hamburg gegründet hatte. Am Samstagmorgen, nicht einmal vier Monate später, zeigte sie auf der Mailänder Modewoche ihre erste neue Kollektion, für Männer.

Die Schau fand am traditionellen Schauplatz auf der Via Luca Beltrami statt. Es ist ein wichtiger Termin. Sieben Jahre lang hat der Belgier Raf Simons die Marke Jil Sander geführt und ihr einen sehr eigenen Stempel aufgedrückt. Seine Entlassung in diesem Frühjahr wurde in der Modebranche fast einhellig bedauert, auch wenn er kurz darauf den Platz von John Galliano bei Dior einnahm. Umso größer ist nun die Neugier auf die erste Kollektion der Hausherrin. Wie sieht Jil Sander Jil Sander heute? Kann sie an alte Erfolge anknüpfen? Suzy Menkes von der New York Times sagte sie, sie müsse die Marke "zurück zu unserem Erbe bringen". Selbstverständlich ist Menkes nun hier, um sich das anzusehen. In einem mintfarbenen Twinset sitzt die Kritikerin in der ersten Reihe, gleich neben ihr Tim Blanks, der für die amerikanische Vogue und das Männerheft GQ schreibt. Anna del Russo, die Chefredakteurin der japanischen Vogue ist auch da, und von Kopf bis Fuß gehüllt in einen aktuellen Entwurf von Sanders Vorgänger. Ein Warnsignal?

Als der letzte Stehplatz besetzt ist, geht das Licht aus, Spots tauchen nur den Laufsteg in einen kalten Schein. Die Schau beginnt. Als erstes fallen die fast züchtigen Shorts auf, überknielang und marineblau. Jil-Sander-blau. Zu den Boardshorts tragen die Models reinweiße Hemden und schmal geschnittene, überlange Jacken ohne Ärmel. Das erste Adjektiv, das einem beim Anblick dieser Entwürfe einfällt: weicher. Ihre neue Kollektion sieht weicher aus als alles, was Raf Simons in den vergangenen Jahren gezeigt hat. Er bevorzugte harte Silhouetten. Jil Sander selbst zeigt keine Schulterpolster, verwendet Wolle und Baumwolle. Der in der Mode derzeit so verbreitete Laserdruck und Tech-Appeal fehlt.

Zu Dreiviertelhosen kombiniert sie großzügig geschnittene Blousons in Olivgrün und Senfgelb. An den Füßen trägt der Jil-Sander-Mann im kommenden Sommer schwarze oder Two-Tone-Lederschuhe. Geometrische Muster in Grün und Gelb kreuzen über weiße Strickshirts. Hier diente die Arbeit des Malers Robert Mangold der Designerin als Inspiration. Ein langer, schwerer Trenchcoat schlägt dann doch eine Brücke zur letzten Kollektion von Raf Simons. Es gibt ihn in Cremeweiß und Schwarz. Dann folgen Muster, Blautöne auf Weiß, die Silhouette bleibt luftig und asiatisch.

Kann sie das Haus noch einmal erfolgreich führen?

In dieser Reihung und im Vergleich zu Raf Simons sieht die Arbeit von Jil Sander für Jil Sander fast ein bisschen harmlos aus. Weniger konturiert. Weniger exaltiert. Langweiliger am Ende? Ein Anzug genügt, um den leisen Zweifel daran, ob sie mit 68 Jahren die Marke noch einmal erfolgreich kreativ führen kann, auszuräumen.

Es ist der achtzehnte Look des Morgens, ein mittelblonder Wuschelkopf führt ihn vor. Schon am hektischen Klicken der Kameras hört man: Hier kommt etwas Richtungweisendes. Viel zu sehen gibt es nicht, und das genau ist der Punkt. Der Anzug ist schmal geschnitten, bordeauxfarben, die Beine sind leicht gekürzt. Dazu ein schwarzes Hemd. Ein einziges dekoratives Element sind Kontrastflächen in einem noch dunkleren Rot. Das war´s.

Und es reicht. Denn Jil Sander schafft mit einem Anzug zwei Dinge: Sie knüpft an die Gestaltung von Raf Simons an und untermauert ihre eigene gestalterische Position. Mit den Kontrastflächen nimmt sie das color blocking wieder auf, das Raf Simons vor einigen Saisons für Jil Sander vorgestellt hat und das seither viele Designer in ihren Kollektionen aufgegriffen haben. Doch sie entwickelt das Spiel mit den Farbflächen außerordentlich geschickt weiter. Nicht plakativ, schon gar nicht willkürlich setzt sie die Farbe ein. Ihre Absetzungen unterstreichen die Schnittführung des Anzugs, stellen die Tadellosigkeit seiner Passform heraus. Und damit das bestimmende Thema ihrer Arbeit: Purismus, der aus formaler Zurückhaltung und handwerklicher Brillanz entsteht. Man misst in dieser Schau nicht Jil Sander mit Raf Simons. Es ist umgekehrt.

Lauter als das hektische Klicken der Kameras ist der Applaus, der Jil Sander nach dem Ende der Schau entgegenbrandet. Die deutsche Modekritikerin Ingeborg Harms, die sich erstmals hinter den Kulissen um den reibungslosen Ablauf der Schau kümmerte, ist erleichtert, zu hören, dass diese Kollektion ganz klar die Handschrift von Jil Sander trägt. "Während der Arbeit an dieser Kollektion konnte sie gar nicht in Worte fassen, was sie da gerade tut", sagt Harms.

Jil Sander selbst steht in einem Pulk aus Journalisten und Freunden und wird von einem türbreiten Security-Mann gegen zu vorwitzige Drängler abgeschirmt – ganz so, als sei sie niemals weg gewesen. Die weichen, mittelblonden Locken umspielen das Gesicht voller Sommersprossen, dazu trägt sie die Jil-Sander-Uniform: kalkweiße Bluse, schwarze Hose, schwarzglänzende Lederhalbschuhe. Ihre Hände sind weich und warm, ihr Händedruck fest. Während sie spricht, hält sie, so gar nicht hanseatisch kühl, die Hand ihres Gesprächspartners. "Ich bin hier zu Hause! Es ist eine ganz große Freude, zurück zu sein."

Quelle: ZEIT ONLINE
Adresse: http://www.zeit.de/lebensart/mode/2012-06/jil-sander-comeback-mailand-maennermode/komplettansicht